La NASA acaba de presentar los trajes que llevarán los astronautas del Programa Artemis en futuros viajes a la Luna. Lo ha hecho junto a las dos compañías encargadas de su diseño: Axiom y Prada. Sí, los del famoso bolso Galleria. Aunque esta vez no han fabricado un elegante bolso de cuero Saffiano o de nylon, sino un traje diseñado para soportar cómodamente (y con estilo) las condiciones del polo sur lunar.

Dos piezas indispensables. Como todos los astronautas, los tripulantes de las misiones Artemis llevarán un doble traje. Por un lado, está el traje extravehicular. Ese famoso mono que, acompañado de la escafandra, usan siempre para exponerse a las inclemencias espaciales. Por otro lado, está el traje que va dentro del EVA. En este caso, el traje extravehicular es el AxEMU y la ropa interior, en cuyo diseño ha tenido un gran peso Prada, la prenda de refrigeración y ventilación líquida (LCVG). 

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Detalles estéticos y útiles. Aparentemente, el LCVG es una prenda deportiva muy estilosa. Tiene cuello de pico, mangas con orificio para los pulgares y pantalones retro, todo ello acompañado de la famosa línea roja de Prada. No obstante, también contiene unos canales por los que pasan los tubos en los que fluye el líquido refrigerante que les ayudará a mantener una temperatura corporal adecuada. 

En el pasado, este tipo de trajes no llevaban los tubos incorporados. Se incluían enhebrados en una especie de tejido de malla, pero era un proceso de fabricación lento. Por otro lado, ahora se incluyen unos tubos más grandes por los que fluye aire para facilitar la respiración de los astronautas. Todo incorporado en el traje.

Más ventajas. Otra gran ventaja de estos trajes es que estarán personalizados para adaptarse a la perfección al cuerpo de los astronautas. Esto les proporciona mucha más comodidad.

El color importa. Aunque anteriormente se habían mostrado algunos prototipos naranjas, en la actualidad el AxEMU que se ha presentado es blanco. Este color refleja mucho mejor la luz solar y, además, permite que se detecte más fácilmente el polvo lunar. Así, los astronautas pueden limpiarlo después de las caminatas por el satélite. 

Condiciones especiales. Al contrario que los astronautas del programa Apolo, los de las misiones Artemis alunizarán en el polo sur lunar. Este es un lugar en el que la temperatura varía muchísimo dependiendo si hay sombra o no. Puede haber fluctuaciones de hasta 200ºC. Por eso es tan importante tener un sistema óptimo de control de temperatura acoplado en los trajes. 

Más pruebas. El traje se ha sometido ya a numerosas pruebas de temperatura y gravedad. No obstante, se espera poder probarlo en otros ambientes antes de que se use en la Luna. Posiblemente, se usará en el Laboratorio de Flotabilidad Neutral de la NASA. Una especie de piscina en la que los astronautas prueban a moverse en condiciones similares a la microgravedad. También se podrían mandar algunos trajes a la Estación Espacial Internacional. 

Además, aunque aún no se ha confirmado, es posible que los trajes de Axiom y Prada se prueben ya en Artemis III. Estos astronautas no alunizarán. De hecho, ni siquiera irán a la órbita lunar, como sí han hecho los tripulantes de Artemis II. Sin embargo, podrán ir probando la comodidad y funciones del traje. Está clarísimo que es un traje elegante, no podíamos esperar otra cosa de Prada, pero hay que asegurarse también de que es útil en el espacio. 

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Siento no poder enlazarlo pero el otro día leí un tweet que decía algo así como: "En estos momentos de polarización extrema, solo hay una cosa que une a toda España: la camiseta falsa de la Selección".

En cascada, ahí estaban las respuestas. Una detrás de otra, aficionados hartos del abusivo precio de las camisetas de fútbol, un complemento que ya es transversal al propio deporte pero por el que muchos no están dispuestos a pagar más (mucho más) de 100 euros por un producto que puedes tener en casa por poco más de 20 euros. 

A las puertas de un Mundial, con una selección española que ilusiona y una camiseta que ha calado hondo desde su presentación, la segunda equipación del equipo, la blanca, ya se ve por todos lados. 

Y, desde luego, no siempre es oficial. 

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Te complica el mes

Según datos de Bankinter, el salario mediano en España para un hombre fue de unos 26.000 euros en 2024, últimos datos publicados. El de las mujeres superaba por poco los 22.000 euros. Eso nos deja un salario bruto, claro, en 14 pagas de poco más de 1.800 euros para ellos y menos de 1.600 euros para ellas. 

Con ese sueldo quien se quiera comprar la camiseta oficial de la Selección Española, replicando todos sus detalles, estará dedicando alrededor del 15% del dinero que entra a su cuenta a final de mes. 

• Camiseta oficial Authentic: 150 euros
• Nombre del jugador: 20 euros
• Parche de la FIFA: 10 euros
• Parche de campeón de la Eurocopa: 7 euros

Las cuentas salen fácil y rápido: 187 euros es lo que cuesta vestir la misma camiseta con la que Lamine Yamal saltará al campo en Atlanta (Estados Unidos) el próximo 15 de junio a las 18:00 (hora peninsular) para enfrentarse a Cabo Verde. 

Eso, por supuesto, si consigue hacerse con alguna de las camisetas que ya han volado de la web de Adidas. 

Por mucho menos, apenas 23 euros, puedes tener una réplica en casa en menos de dos semanas. No es que haya preguntado a uno de los tantos que en mi círculo cercano ya se han hecho con una. Simplemente hay una web que posiciona en Google por delante de la propia Adidas.

Dice la compañía germana que "la camiseta de la segunda equipación de España rinde homenaje al increíble legado literario de este país, con estampados intrincados inspirados en manuscritos, un guiño a la profundidad cultural del idioma español que conecta cultura y fútbol". 

Digamos que esa otra web no ofrece una descripción tan literaria pero lo que es seguro es que de clientes debe ir sobrada. 

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El (pen)último ejemplo

La segunda equipación de Adidas ha puesto de relieve el auge de las camisetas falsas réplicas y la enorme popularidad que han cosechado en los últimos años. 

Sid Lowe, periodista deportivo británico acogido por la comunidad asturiana, se hacía eco en X de este artículo de Libertad Digital en el que se menciona la enorme popularidad de la segunda camiseta de España. Esa que nadie parece haber pagado al precio que marca Adidas en su página web.

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Las respuestas criticando el alto precio del conjunto oficial y la defensa de hacerse con una, digamos, menos oficial se repiten una tras otra. 

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En las respuestas parecen concentrarse todas y cada una de las cuestiones que rodean al submundo en el que se han convertido las camisetas de futbol en los últimos años. 

Quienes hemos vestido sábados, domingos y vacaciones de verano con camisetas y camisetas de fútbol sabemos que las réplicas no tienen el mismo tacto que una original. ¿No? ¿Seguro? Sin duda, se le parece mucho. Es algo que he sabido por conversaciones con amigos y porque... bueno, el que esté libre de pecado...

Un ejemplo: camiseta del Real Madrid 99/00. Empujado por el efecto nostalgia dosmilero, las réplicas multiplicaron su presencia en las calles. Hasta el punto de que Adidas aprovechó el tirón para reeditarlas y sacar un buen dinero. Al menos, para sacar el mío y el de los suficientes aficionados que nos gastamos nuestros 110 euros en comprar una camiseta con más de un cuarto de siglo de historia. 

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En mi caso fue porque quería tener la camiseta con la que Raúl regateó a Santiago Cañizares para culminar el tercer gol del Real Madrid en la Final de la Champions League en París. Quería "la de la Octava", la negra. Porque la blanca ya me la habían regalado unos meses antes y esta no era del todo verdadera. Y, pese a ello, tuve que ir al armario a rescatar la camiseta que vestía con ocho años y un R. Carlos (3) a la espalda para certificar que no tenía la misma pátina de brillo que tenía la oficial. Tampoco el cosido del escudo era igual, claro.

No, no era la misma, pero era casi idéntica. 

Y eso es suficiente para que muchos, muchísimos, volviéramos a vestir la camiseta de nuestra infancia por la calle. Da igual si la camiseta es de los mejores años de Raúl, de Djalminha vistiendo Feiraco en el pecho del Deportivo de la Coruña o Maradona llevando a Buitoni a cotas de popularidad que nunca imaginaron. 

Todas ellas comparten un sólo código: están de moda. 

Tanto que Adidas no ha dudado en reeditar diseños icónicos de los noventa y los 2000. Sin ir más lejos y aprovechando la vuelta del Mundial a Estados Unidos, por 110 euros puedes vestirte como la España de Clemente en 1994. Al menos, los alemanes han tenido el detalle de no reeditar la segunda equipación, anclada para siempre en un Luis Enrique ensangrentado. 

El fenómeno camiseta de fútbol se ha convertido en una moda transversal que traspasa géneros, décadas y equipos. Están ahí cuando vas a comprar el pan, cuando echas una pachanga con amigos y cuando vas al festival de música veraniego. 

Eso también ha generado un problema. "Las camisetas originales, si las cuidas, las puedes utilizar unos años y en un futuro se revalorizan", contesta uno de los usuarios a Sid Lowe. 

Efectivamente, en las grandes ciudades han aflorado las camisetas en tiendas de ropa de segunda mano. Casi todas a un precio ridículo. Casi todas en un estado lamentable. Y las que están en buen estado, las que encuentras en tiendas especializadas (que también se han multiplicado) disparan su precio dos y tres veces por encima del que te piden hoy por la segunda equipación de la Selección Española. 

Una burbuja que parece no pinchar y que ha relegado las camisetas originales de los años 90 y principios de los 2000 a lo más profundo de los armarios, ya solo al alcance de los coleccionistas y de los especuladores. Quien fuera el inconsciente valiente de comprar la "camiseta del ketchup" del Athletic de Bilbao, la 2004/2005, tiene en el armario cientos y cientos de euros acumulados.

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La camiseta de Nike más vendida antes del Mundial es la más inesperada: la de Nigeria

Y como era de esperar, el resultado es un mercado de réplicas absolutamente disparado. El que ha matado la ilusión de ver un Ronaldo (9) en una camiseta a rayas rojas y blancas y un Zidane (10) en otra azul con rayas blancas y rojas cruzadas en el pecho. O un Rivaldo (10) en una blaugrana con el escudo en el centro. 

Al menos, eso sí, te sirve para sacar una sonrisa cuando lees un Gullit (10) en una camiseta de Holanda 1988 que nunca existió. 

Foto | Xataka y Selección Española de Fútbol

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Hace veinte años, el chasquido de unos tacones resonando en las oficinas de Runway bastaba para hacernos temblar y reír a partes iguales. La película original de 2006 se erigió como una crítica mordaz, un retrato afilado de un mundo frívolo gobernado por una jefa tóxica, hilarante y con mucho mordiente. Sin embargo, dos décadas después, la industria ha decidido traicionar a su propia obra. 

La incesante campaña de relaciones públicas de El Diablo Viste de Prada 2 sugiere que la sátira original de la historia ha sido "descolmillada" y deliberadamente esterilizada. Lo que antes era una burla inteligente a la industria de la moda, hoy es una promoción gigante y descarada para marcas de lujo como Dolce & Gabbana, Balenciaga y Dior. La secuela se ha quedado atrapada en un limbo incómodo, debatiéndose entre la higienización hipócrita de su propia mitología y la glorificación absoluta de ese universo amoral que, paradójicamente, le dio el éxito en primer lugar.

La película como catálogo de lujo. El despliegue publicitario que ha rodeado a esta secuela no tiene precedentes, transformando la trama en un mero vehículo para vender productos y experiencias. Como señala la crítica de Le Monde, los emplazamientos de productos y los cameos están muchísimo más elaborados que el propio guion; el desfile de atuendos orquestado por el departamento de vestuario importa mucho más que cualquier hilo narrativo que la película intente tejer. Disney ha trabajado durante años para asegurar asociaciones con marcas de primer nivel, con el objetivo de construir el mejor programa de marketing jamás lanzado. 

Los ejecutivos presumen de haber creado una "colección de moda" donde cada marca encaja a la perfección. Y es que el celuloide es lo de menos; el estreno se ha concebido como un inmenso patio de recreo para anunciantes. Vemos a Starbucks crear menús inspirados en los personajes, mientras gigantes como Diet Coke, Samsung y Lancôme fagocitan la narrativa del universo Runway. El paroxismo de esta venta de saldo llega hasta los productos de farmacia, estampando el logo de la película en cortaúñas de la marca Tweezerman; una ordinariez que la verdadera Miranda Priestly jamás habría tolerado.

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Cuando el consumo devora la ficción. La industria ha cruzado el Rubicón: las marcas ya no hacen un simple product placement de fondo, ahora exigen una "participación narrativa completa". La propiedad intelectual de la película ha sido secuestrada como estrategia de ventas a largo plazo.

Todo esto escenifica a la perfección lo que el filósofo Guy Debord definió en su obra La Sociedad del Espectáculo. Para Debord, "el espectáculo es el capital en un grado tal de acumulación que se transforma en imagen". La película ya no es ficción, es una relación social mercantilizada, mediatizada por imágenes diseñadas para vender. El mundo que vemos en pantalla es pura y exclusivamente el mundo de la mercancía, confirmando que toda vida humana y social ha quedado reducida a simple apariencia. El espectador entra al cine creyendo consumir cultura, pero se convierte en un "consumidor de ilusiones", donde la mercancía es lo único efectivamente real.

Frialdad visual: el cine sin alma. Esta colonización comercial exige una estética acorde, es decir, aséptica y prefabricada. Las comedias románticas actuales no tienen alma porque operan bajo algoritmos de rentabilidad financiera. Hemos perdido a los personajes reales e imperfectos de los años 90 y 2000, sustituidos por maniquíes que sostienen teléfonos móviles.

A nivel visual, la pantalla supura frialdad. Las películas modernas abusan de la oscuridad y del desenfoque, utilizando la poca profundidad de campo y un exceso de efectos digitales (CGI) que hacen que los entornos parezcan un decorado de plástico. Para el teórico Fredric Jameson, en su ensayo sobre el posmodernismo, este fenómeno cultural refleja una nueva "falta de profundidad" (depthlessness) y un "desvanecimiento de los afectos" (waning of affect), donde la superficie plana y la cultura de la imagen o el simulacro reemplazan a la realidad histórica y a la emoción genuina. La película se ve muerta porque, narrativamente, lo está.

La trampa de la nostalgia. ¿Hacia dónde nos lleva este modelo? Directamente a una "necromancia capitalista". Hollywood, sumido en una alarmante sequía creativa, resucita franquicias muertas como zombis culturales, despojándolas de su riesgo original para exprimir la taquilla. Estamos atrapados en lo que Jameson denomina el "modo nostalgia". En la revista The Drum argumentan que esta dependencia extrema de las marcas hacia la nostalgia está diluyendo las conexiones emocionales genuinas, atrapando a la cultura en un bucle amnésico incapaz de imaginar nada nuevo. Como expone Mackenzie Groff, la nostalgia mercantilizada es una trampa que nos engaña haciéndonos creer que el pasado perdido se puede recuperar simplemente a través del consumo.

Es la era del "pastiche", término que Fredric Jameson utiliza para describir la imitación neutral de estilos muertos o máscaras del pasado. A diferencia de la parodia original, que tenía un fin crítico y satírico, el pastiche de esta secuela es una "parodia en blanco" carente de convicción, que nos condena a consumir un espejismo de nuestro propio pasado a través de imágenes pop prefabricadas. Nos venden la ilusión de recuperar el confort de los años 2000, pero solo nos entregan un recibo de compra.

El triunfo del 'fandom'. A pesar de la evidente carencia de alma y de la planicie visual, la maquinaria funciona. La paradoja es que el público general sigue comprando la ilusión. La secuela ha conseguido una sobresaliente calificación de A- en Cinemascore, superando con creces la valoración que obtuvo la entrega original por parte de los espectadores.

El estreno provocó una ola de conversación digital masiva, demostrando que el talento (Meryl Streep, Anne Hathaway) y la nostalgia son activos de comunicación orgánicos inigualables que las marcas saben capitalizar a la perfección. La psicología detrás de este éxito ciego: los fenómenos de los fans (el fandom) proporcionan vías de escapismo, regulación emocional y formación de identidad. Estas conexiones parasociales con mundos y personajes ficticios resultan profundamente satisfactorias para un público que busca refugio ante un mundo cada vez más incierto.

El triunfo del spot de dos horas. La verdadera tragedia es que la maquinaria funciona. El público, anestesiado por el fenómeno fan, sigue acudiendo en masa a las salas, buscando en la nostalgia un refugio ante un mundo incierto, y otorgando calificaciones sobresalientes a un producto diseñado en una sala de juntas.

La secuela de El Diablo Viste de Prada es el triunfo definitivo y obsceno de nuestra era. Ya no nos reímos del consumismo; claudicamos ante él. Hoy pagamos gustosamente una entrada de cine para sentarnos en la oscuridad y tragarnos un infomercial de 120 minutos de duración. Si la película se percibe vacía, no es por un error de cálculo de sus directores. Es, sencillamente, porque su único objetivo nunca fue contar una historia, sino obligarnos a hojear las páginas satinadas de un inmenso y lucrativo catálogo.

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Xataka | Letterboxd era uno de los últimos reductos del Internet de antaño. Ahora hay una amenaza: busca inversores

Durante la crisis del petróleo de 1973, varias industrias que parecían completamente ajenas a la energía, como la del plástico o los fertilizantes, descubrieron de golpe que sus costes podían dispararse en cuestión de semanas por decisiones tomadas a miles de kilómetros, alterando precios y cadenas de suministro en sectores donde nadie miraba al barril de crudo.

Del petróleo al armario. Contaba el fin de semana Reuters que el encarecimiento de la energía tras la guerra en Irán está empezando a filtrarse mucho más allá de la gasolina o el transporte, alcanzando un terreno menos evidente: la ropa que llega a las tiendas. 

El vínculo es directo, porque buena parte de la industria textil depende de derivados del petróleo, y cualquier tensión en ese mercado se transmite rápidamente a los materiales que sostienen la producción global de prendas.

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EEUU creía tener un "escudo" con sus bases en Oriente Medio. Irán las ha convertido en una enorme vulnerabilidad

La pieza clave. El poliéster domina la industria textil mundial con una presencia masiva en casi todo tipo de prendas, desde ropa deportiva hasta vestidos cotidianos. El problema es que su fabricación depende de compuestos como el PTA y el MEG, cuyo coste se ha disparado cerca de un 30% debido a la subida del crudo, el encarecimiento de proveedores asiáticos y las disrupciones en Oriente Medio. 

Esta presión convierte al poliéster en el punto de entrada de la crisis energética en la moda, trasladando el impacto desde los mercados energéticos hasta el tejido mismo de la industria.

La cadena que empieza romperse. Recordaba Reuters que el golpe se está sintiendo con especial intensidad en India y Bangladesh, dos pilares de la producción global de ropa. Fábricas que antes operaban a pleno rendimiento han reducido drásticamente su actividad, con telares parados, producción recortada a menos de la mitad y dificultades para cumplir pedidos internacionales. 

A esto se suma la escasez de mano de obra en algunos centros textiles, provocada por problemas energéticos básicos como la falta de gas, lo que añade otra capa de tensión a un sistema ya al límite.

Ganar tiempo sin escape. Aquí surgen los grandes nombres, donde empresas como Inditex o H&M todavía no están trasladando de inmediato el impacto al consumidor gracias a compras anticipadas y planificación de inventarios, lo que les ha permitido atenuar y amortiguar el golpe en el corto plazo. 

Aun así, los proveedores ya están anunciando subidas de precios y el margen de absorción tiene un límite meridianamente claro. Plus: el uso de poliéster reciclado ofrece cierto alivio, aunque su peso sigue siendo reducido dentro del total global, lo que limita su capacidad para compensar la presión actual.

Los costes suben, la demanda tiembla. Así, el aumento de precios empieza a trasladarse a hilos, tintes, transporte y componentes esenciales, generando un efecto en cadena que puede acabar afectando al volumen de pedidos. 

Por su parte, los fabricantes advierten que, si la situación se prolonga, la producción caerá y los consumidores reducirán compras ante precios más altos. El fenómeno, conocido como destrucción de demanda, introduce un riesgo añadido: una caída simultánea de oferta y consumo que afecta a toda la industria.

No es solo la camisa de Zara, también el calzado. Sí, porque el impacto del petróleo apunta a extenderse también al sector del calzado, donde materiales derivados como espumas, adhesivos o suelas sintéticas dependen igualmente de productos petroquímicos. 

Dicho de otra forma, esto significa que la presión sobre costes no se va a limitar a camisetas o pantalones, sino que alcanza a una amplia gama de productos, complicando la planificación de precios y la estabilidad del mercado.

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Ucrania acaba de reinventar el combate aéreo con una pieza de la era soviética: un avión que dispara drones

La crisis donde nadie miraba. En definitiva, lo que comenzó como una subida en los precios energéticos se está transformando en un problema estructural para la industria de la moda. 

De fondo, la dependencia del petróleo en materiales clave convierte cualquier conflicto en una variable directa sobre el precio final de las prendas. Y a medida que la presión se acumula en la cadena de suministro, el impacto deja de ser invisible o mínimo para empezar a acercarse lenta pero inexorablemente al bolsillo del consumidor, señalando un cambio profundo en cómo la geopolítica puede acabar reflejándose en algo tan cotidiano como la camisa que hasta ahora comprabas por 20 euros.

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En Xataka | Si la pregunta es por qué EEUU atacó un barco iraní con un arma inédita en 40 años, ya sabemos la respuesta: un "regalo de China"

El esperado regreso de la tercera temporada de Euphoria a las pantallas de HBO en este mes de abril parecía dictar una sentencia clara sobre el futuro de la moda y la belleza: el exceso ha vuelto, pero en una versión más oscura e intencional. La serie ha abandonado la estética etérea e inocente de sus inicios para abrazar un maquillaje de alto contraste, una profunda inspiración en los años 90 y un "glam feroz y sin disculpas". Como sentencia Donni Davy, la maquilladora principal de la ficción, esta nueva temporada es "una campaña contra el maquillaje clean-girl".

Sin embargo, mientras Hollywood empuja con fuerza hacia este dramatismo y agresividad visual, en las calles y en las redes sociales globales se respira una rebelión mucho más silenciosa. Una generación entera ha decidido darle la espalda al caos estético de Occidente para abrazar el Acubi: el quiet cool surcoreano de tonos apagados y siluetas holgadas que está redefiniendo el armario juvenil.

Una tendencia nacida en la red. El estilo Acubi no es una invención de las últimas semanas, pero su explosión actual es innegable. El término proviene de la marca surcoreana Acubi Club, pionera en mezclar el minimalismo de los años 2000 (Y2K), los básicos "subversivos" y el cyber fairy grunge. 

Se trata de una estética que huye de los tonos pastel metálicos y se refugia en una paleta de colores neutros —blanco, negro y gris—, jugando constantemente con las proporciones: tops ajustados o con cortes estratégicos (cut-outs) combinados con pantalones de corte muy holgado. Esta moda lleva ganando tracción en plataformas como TikTok y Pinterest desde el verano de 2022, destacando por ser una mezcla creativa y madura.

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Ozempic, 'clean look' y TikTok: la tormenta perfecta que está dejando calvas a las adolescentes

El acelerador ha sido el K-Pop. Si el Acubi ha conquistado el mundo, ha sido gracias a sus embajadores más poderosos. Heewon Yuh, estratega de moda juvenil en WGSN, aclara en CNN que "el K-Pop no funcionó tanto como el origen, sino como un acelerador, transformando un enfoque de estilo local en un look reconocido a nivel mundial". Grupos femeninos de impacto planetario como Blackpink, NewJeans y Aespa han llevado esta estética a los escenarios y las semanas de la moda. De hecho, Ning Ning y Winter, vocalistas de Aespa, lucieron su mejor interpretación del estilo Acubi, dominado por el negro y la asimetría, durante la promoción de su álbum Armageddon.

Los datos respaldan este tsunami estético: el hashtag #Acubi genera unos 65.000 posts diarios en TikTok y 87.000 en Instagram. Además, el interés en Google Trends por la moda coreana alcanzó su pico máximo en Reino Unido y Estados Unidos en febrero de este mismo 2026, coincidiendo con la aparición de ídolos en la Semana de la Moda de Londres.

No es un simple capricho algorítmico. Jaana Jätyri, fundadora de la agencia de pronósticos Trendstop, explica a CNN que "en periodos de tensión económica y social, la moda tiende a suavizarse". El Acubi permite a los jóvenes ir a la moda "sin sentirse en exhibición". En la misma línea, Rose Coffey, analista de The Future Laboratory, sostiene que las nuevas generaciones buscan "estabilidad y sentido de control" a través de prendas modulares y adaptables.

No obstante, esta búsqueda de estabilidad a través de lo neutro no convence a todos, y tiene una lectura más profunda y polémica. La obsesión general por estéticas derivadas como el clean girl propone una imagen "neutra, apolítica y universalizada". Según Marta De la Rocha, experta de la Universidad Europea de Madrid, "hemos perdido el mensaje político e identitario que antes tenían tribus urbanas más llamativas".

No es otra clean girl. Es aquí donde el análisis de la periodista Noemí López Trujillo en Newtral aporta una capa crítica fundamental. Basándose en el ensayo Reacción de Susan Faludi, detalla que el auge de estéticas que exigen a las mujeres ser discretas y ultralimpias puede leerse como una reacción conservadora y antifeminista. Se busca, como explica la periodista Brenda Otero, que las mujeres "no cometan errores, que todas parezcan iguales, que no haya caos, que sean estáticas y no cambien".

Aunque el Acubi comparte esa paleta cromática silenciosa, su herencia grunge y sus cortes asimétricos lo salvan de caer en la sumisión total y apolítica del clean girl, otorgándole un filo subversivo frente al deseo de que las mujeres pasen desapercibidas.

De nicho digital a básico universal. Lejos de ser una moda pasajera, el modelo de negocio detrás del Acubi augura una larga vida. La tendencia ya ha dado el salto de las pantallas a las cajas registradoras. Minoristas de fast-fashion como Shein y marcas británicas como Minga London ya comercializan estas prendas. Además, gigantes del mercado principal (high street) como Zara y COS han comenzado a incorporar siluetas holgadas similares en sus colecciones recientes. Incluso la alta costura ha tomado nota: la colección Cruise 2025 de Gucci y las recientes pasarelas de Fendi han presentado diseños minimalistas relajados que beben de esta misma fuente.

Este éxito es también una victoria del Soft Power surcoreano. El profesor Dal Yong Jin, de la Universidad Simon Fraser, explica en CNN que la creciente visibilidad de la estética de Seúl es un reflejo de la expansión del Hallyu (la ola coreana). Consumir moda coreana se ha vuelto profundamente atractivo para el público internacional, fortaleciendo la economía y la imagen institucional del país asiático a nivel global.

La clave reside en su extrema practicidad. Como ilustran en The Straits Times al analizar la juventud urbana en Singapur, esta estética triunfa en todo tipo de contextos —incluso en climas cálidos y húmedos— gracias a que permite lucir un aspecto cuidado sin esfuerzo. Es un estilo que se construye a base de capas intercambiables y transpirables: basta una camiseta básica de tirantes, unos pantalones cargo holgados y el toque final de unos accesorios metálicos o unas gafas de sol para completar el look.

Además, aunque fue impulsado inicialmente por mujeres, el Acubi ha roto las barreras de género. La moda masculina ha abrazado esta tendencia bajo una influencia Techwear. La fórmula de "top diminuto y pantalones grandes" se traduce en hombres vistiendo camisas ajustadas o jerséis con roturas combinados con pantalones cargo tipo paracaídas extra anchos, una línea que minoristas como Lewkin ya comercializan bajo la etiqueta "Acubi Men".

El ruido silencioso de una generación El panorama actual de la moda dibuja una interesante dicotomía. Mientras las gigantescas producciones occidentales intentan imponer estéticas dramáticas o de alto contraste, la juventud global ha elegido mirar hacia Seúl. El estilo Acubi ha demostrado que no es solo un hashtag más en TikTok; es el uniforme de una generación que navega tiempos inciertos. 

Entre la búsqueda de la comodidad absoluta, el debate sobre el minimalismo conservador y la influencia imparable del K-pop, los jóvenes han decidido que la forma más transgresora de vestir hoy en día es, paradójicamente, hacerlo en un absoluto silencio visual.

Imagen | Roboflow

Xataka | Las zapatillas Converse fueron un día el símbolo de la generación millennial: ahora lleva años en caída libre

Lo tenemos tan interiorizado, tan asimilado, que quizás nunca te lo has planteado, pero ahí va una de esas preguntas que suenan a Perogrullo: ¿Por qué vestimos distinto hombres y mujeres? ¿Por qué cuando vamos a una boda, a una gala o una cena elegante se da por sentado que ellos lucirán un traje de corte más o menos sobrio y colores discretos mientras ellas llevarán vestidos y tacón? ¿Por qué la ropa 'varonil' suele ser más funcional que la femenina? Y ya puestos, ¿por qué nosotros no usamos faldas, como se preguntaba hace poco David Uclés?

Como suele ser habitual cuando hablamos de moda (tendencias sociales en general) nada de lo anterior es fruto del azar o el simple capricho.

¿Por qué vistes como vistes? Las cosas como son: si eres un hombre (al menos en la España de 2026) y acudes a una reunión con vestido y tacones es bastante probable que tus compañeros se extrañen al verte cruzar la puerta. Sin embargo la misma ropa en una mujer se consideraría de lo más normal. 

¿Por qué? Esa misma pregunta se la hacía hace poco el escritor David Uclés. Y no es el primero. Antes que él ya la deslizaron otros, como la diseñadora y fotógrafa Ana Locking, que en otra entrevista reciente en la cadena SER animaba a los hombres a ser mucho más arriesgados a la hora de seleccionar su vestuario.

"Si hoy te quieres sentir sexy, vístete sexy. Las piernas de los chicos son súper sexis, los escotes de los chicos son súper sexis. Abre escote, ponte una falda, unas bermudas, unos botines con un poco de tacón", animaba Locking tras lamentar que, a medida que maduran, los hombres se "cortan las alas" al plantarse ante el armario. "Entra en juego un poco el qué dirán, el sentirse vulnerable".

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Estamos en 2025 y millones de hombres en todo el mundo se siguen negando a una cosa: los pantalones cortos

¿Se trata solo de presión social? Depende de cómo se mire. La moda en sí es un constructo social, pero la tendencia que nos lleva a los hombres a apostar por prendas sobrias y desterrar de nuestros roperos faldas, tacones y prendas que puedan considerarse 'extravagantes' se explica por otra razón: la historia. 

De hecho no es una pauta que se haya aplicado siempre. Llega darse un paseo por el Museo del Traje o El Prado para comprobar que en lo que a moda varonil se refiere, la sobriedad no siempre ha sido sinónimo de buen estilo o elegancia.

Para muestra, este lienzo del rey Felipe V con su familia pintado en 1743 por Louis Michel van Loo o esta otra obra de finales del XVII, también conservado en El Prado, y en la que Jacob-Ferdinand Voet nos muestra a Luis Francisco de la Cerda, IX duque de Medinaceli. ¿Hay algo que te llame la atención en ellas?

¿Pelucas, tacón alto y brilli brilli? Exacto. Si te fijas en ambas obras verás que los hombres llevan pelucas, tacones, medias, chaquetas amplias que caen casi a modo de faldones y abundancia de colores brillantes, la clase de ropa que por aquel entonces (finales del XVII, primera mitad del XVIII) denotaba estatus. 

Si lo piensas tiene sentido. Lo que nos muestran Jacob-Ferdinand Voet y Louis Michel van Loo son personajes vestidos con atuendos vistosos, aunque no sean lo que diríamos 'funcionales'. Pero… ¿Por qué habrían de serlo? Si alguien podía permitirse esa clase de ropa eran los aristócratas que no tenían que trabajar.

¿A quién no le gustan los tacones? William Kremer lo explicaba bien en 2013 en la BBC al repasar la historia de los tacones altos y por qué los hombres dejaron de usarlos. De nuevo quizás suene a una pregunta rebuscada, pero en realidad tiene mucho sentido y nos revela aún más sobre nuestra historia.

Durante siglos los tacones se usaron en Oriente Próximo como parte de la vestimenta para montar a caballo. Y no solo por razones estéticas. Con ellos los soldados persas podían ponerse de pie sobre los estilos, estabilizarse y adoptar una buena postura para usar el arco. Cuando a finales del XVI el sha Abbas I de Persia envió una misión diplomática a Europa para recabar apoyos los nobles se fijaron en el zapato de estilo persa. Tanto les gustó que con el tiempo fueron apostando por tacones altos que realzaban su talla… y su rango social.

¿Y todo eso con unos tacones? Así es. "Una de las mejores maneras de transmitir estatus es a través de lo poco práctico", comentaba en 2013 Elizabeth Semmelhack, del Museo del Calzado Bata, Toronto. Quizás los tacones no fuesen muy aconsejables para caminar por el campo y las calles enlamadas y con baches de las ciudades del XVII, pero, ¿acaso tenían que hacerlo los mismos nobles que posaban para los pintores de cámara ataviados con prendas tan lujosas como farragosas? "No trabajan en el campo ni tienen que caminar mucho".

¿Por qué dejaron de usarse? Cambiaron los tiempos. Y la forma de pensar. Cuando repasan la historia de la moda (sobre todo la masculina) los historiadores suelen detenerse en la Ilustración, entre mediados del XVII y comienzos del XIX, una época en la que los intelectuales apostaron por una forma de pensar en la que se priorizaba lo racional y útil. También la educación sobre los privilegios. El estatus ya no es un don heredado, sino fruto de la formación y el trabajo.

En lo que a la moda se refiere eso se tradujo en una nueva sensibilidad que favorecía el uso de prendas cómodas y funcionales. En Inglaterra, por ejemplo, incluso los terratenientes acabaron abrazando un estilo más práctico, más apto para gestionar sus propiedades. Al menos así fue entre los hombres. De ellos se destacaba la faceta racional; en ellas se subrayaba la naturaleza emocional.

¿Influyó solo la Ilustración? No. La mentalidad ilustrada jugó un papel crucial, pero los historiadores suelen señalar un episodio que (aunque bebe de la Ilustración) es mucho más concreto, tanto a nivel geográfico como temporal: la Revolución Francesa. Con ese telón de fondo, la forma de vestirse pasó a ser algo más que una simple elección estética o una marca de estatus. Se convirtió en cierto modo en una forma de manifestación política, como recuerda la BBC.

Probablemente el ejemplo más claro son los sans-culottes, término que puede traducirse cono "sin calzones" y que designaba a los partidarios más firmes de las clases populares durante la Revolución. En vez de las calzas cortas y prietas que solía usar la aristocracia, sus miembros (artesanos, comerciantes, campesinos) vestían pantalón largo holgado, mucho más cómodo para trabajar. Los museos vuelven a resultarnos útiles para comprender ese cambio. Aquí dejamos un retrato de sans-culotte realizado en el XVIII por Louis Léopold Boilly.

¿Tanto dice una prenda? Con el tiempo ese cambio de mentalidad fue cuajando. Sobre todo a medida que radicales y jacobinos ganaron influencia. Caló la idea ilustrada de la utilidad y la vestimenta pasó a convertirse en una manera de rechazar (de forma manifiesta) las extravagancias de la vieja aristocracia. Los pantalones largos jubilaron a los bombachos y se prescindió de las filigranas, los adornos, las florituras y colores brillantes que tanto gustaban en la corte. La manera con la que los hombres se acercaban al vestidor empezó a cambiar.

¿Así de simple? Cuando hablamos de tendencias nada lo es. El proceso en realidad es más complejo y va más allá de la Francia revolucionaria. Por ejemplo, en un interesante ensayo de 2025 sobre el tema La Brújula Verde recordaba que entre mediados del XVI y el XVII en la España de los Austrias solía predominar el vestuario sobrio y oscuro entre los caballeros. También en los países calvinistas la estética era distinta. Sin embargo fueron excepciones, no la pauta general.

Más allá de la Europa continental, la nueva estética varonil se abrió paso en América e Inglaterra, donde también prendió con fuerza la mentalidad ilustrada. En la primea encontramos dos ejemplos elocuentes. El primero es la decisión de Benjamin Franklin de prescindir de las famosas pelucas blancas. El segundo es el 'Discurso de la Cuchara de Oro' pronunciado en 1840 en la Cámara de EEUU y que básicamente ridiculizaba el estilo atildado del presidente Van Buren.

¿Todo eran tendencias abstractas? No. También hubo influencers con nombres y apellidos que contribuyeron al cambio. Quizás el más famoso sea el británico George 'Beau' Brummel, el prototipo de dandi europeo, quien llegó a trabar amistad con rey Jorge IV. Durante un tiempo Brummell fue el gran guía de la moda masculina en Inglaterra y un exponente claro del nuevo estilo. 

Su estilo apostaba por la discreción, la limpieza y la elegancia. Adiós florituras. Abrigo, chaleco, camisa, corbata, pantalones y botas de montar. Colores tenues, nada de excentricidades. Templanza. El foco pasó a centrarse en el cuidado de los detalles, las calidades y la compostura, no en los floripondios innecesarios.

¿Qué dicen los expertos? Todo lo anterior quizás suene abstracto o difuso, pero el fenómeno está bien estudiado por los expertos. De hecho incluso usan una expresión para referirse a ese cambio de mentalidad en la moda de caballero que nos llevó a primar lo útil por encima de lo 'bonito': la "Gran renuncia masculina", una etiqueta acuñada hacia 1930 por el psicólogo británico John C. Flügel.

"El hombre abandonó su pretensión de ser considerado hermoso. De ahí en adelante se propuso ser tan solo útil. En la medida en que la ropa continuó siendo importante para él, sus esfuerzos podían dirigirse solo en la dirección de 'estar adecuadamente ataviado', no en la de estarlo de firma elegante o elaborada". 

Con el paso de los siglos esa máxima no ha permanecido inmutable (la moda es rica en pendulazos y en rivisarse a sí misma), pero ayuda a entender por qué en pleno 2026 tantos hombre siguen sin verse embutidos en una falda.

Imágenes | Wikipedia 1, 2, 3 y 4

En Xataka | Los chicos no están bien: la moda masculina está achicharrando a los hombres en verano

Es sábado por la mañana en el centro de cualquier gran ciudad. En las cafeterías de especialidad, entre flat whites y pan de masa madre, desfila un ejército urbano equipado para sobrevivir a una ventisca en los Alpes. Hablamos de la fiebre del Gorpcore: chaquetas técnicas impermeables y zapatillas de trail running ultra-reforzadas, diseñadas para devorar kilómetros de rocas, pero que hoy solo pisarán baldosas y asfalto.

Sin embargo, a cientos de kilómetros de ese café, en los senderos reales donde esas zapatillas deberían estar manchándose, está ocurriendo exactamente lo contrario. Hemos llegado a la cúspide tecnológica del calzado outdoor, pero una ola creciente de puristas, aventureros y ancianos han decidido dar un paso evolutivo hacia atrás: quitarse las botas y sentir la tierra cruda.

Sí, hay gente caminando descalza por el monte. La estampa de un montañero descalzo dejó de ser una rareza de ermitaños para convertirse en un movimiento global. Según The Guardian, Gen Blades, una investigadora australiana, relata que se encontraba recorriendo la ruta Namsan Dulle-gil de 147 kilómetros en Corea del Sur cuando el terreno cambió a un tramo de arcilla húmeda ("hwangto"). Ni corta ni perezosa, se descalzó. Describió el tacto del barro rezumando entre los dedos como algo "revitalizante, como un masaje".

No hace falta irse a Asia para encontrar a estos devotos del pie desnudo. En Australia, Dale Noppers, de 37 años, organiza rutas de hasta siete horas por el Parque Nacional Serpentine pisando barro, gravilla y rocas. Confiesa que la experiencia le hace sentir "bastante primitivo" y asegura que, pese al riesgo de pisar insectos o cristales, las plantas de sus pies están tan suaves que "parece que se hayan hecho una pedicura". Para Uralla Luscombe-Pedro, de 32 años, que ha caminado cientos de kilómetros por la costa salvaje australiana, los pies son "órganos sensoriales". Tras semanas caminando así, asegura sentirse como un animal más magro y concluye que nuestro hábitat humano moderno de cemento es "extrañamente aburrido" en comparación.

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"Recuperar" durante el fin de semana lo que no has podido dormir de lunes a viernes suena bien. La realidad es más compleja

Esto no es nuevo, pero se ha descontrolado. Europa lleva décadas coqueteando con esta idea a través de los Barfußpark o Parques Descalzos. La organización medioambiental alemana NABU documenta unos 50 de estos recintos en Alemania, siendo el de Bad Sobernheim (abierto en 1992) uno de los pioneros. Un ejemplo Un ejemplo de su magnitud es el parque de Egestorf, que cuenta con casi 3 kilómetros y más de 60 estaciones donde los visitantes pisan sobre piñas, arena fina, agua de manantial y barro profundo.

Pero si en Europa es una actividad recreativa, en Corea del Sur es una auténtica locura institucional. El 68,7% de los 243 gobiernos locales del país cuentan con ordenanzas para fomentar el senderismo descalzo. La ciudad de Seongnam invirtió 3.450 millones de wones (unos 2,7 millones de dólares) en construir seis pistas de arcilla roja y presupuestó otros 3.500 millones para 2024. El sector privado no se queda atrás: la empresa de licores Sun Yang Soju construyó una pista de 14,5 kilómetros y dona 800.000 dólares anuales para su mantenimiento. La obsesión es tal que se están construyendo caminos en invernaderos para usarlos en invierno. Lamentablemente, la masificación ya causa estragos ecológicos, como la degradación del ecosistema en las marismas de humedales como Sorae, en Incheon.

La pregunta clave: ¿por qué? Los defensores de esta práctica dividen sus argumentos en dos grandes bloques: la mecánica del cuerpo y la "magia" de la tierra. Por un lado, los defensores mecánicos apuntan a la salud física. Sin zapatos, el cuerpo se ajusta constantemente, mejorando la coordinación y el equilibrio. Se activan pequeños músculos olvidados y se benefician los 28 huesos, 20 músculos y más de 100 tendones del pie. Además, al ir descalzo en terreno irregular, solemos abandonar el aterrizaje con el talón y pasamos a pisar con la bola del pie (metatarso). Esto reduce el impacto, aunque requiere un 53% más de energía, convirtiendo el paseo en un entrenamiento intenso.

Por otro lado, está el fenómeno del "Earthing" (conexión a tierra). Hay estudios que sugieren que este contacto directo neutraliza los radicales libres causantes del envejecimiento, reduce la viscosidad sanguínea y mejora la variabilidad del ritmo cardíaco. Atraídos por estos supuestos beneficios, pacientes en Corea aseguran que la práctica ha reducido sus niveles de azúcar en sangre, aliviado el insomnio e incluso curado el cáncer.

La ciencia pisa el freno. Los podólogos aplauden la libertad del pie, pero con matices. El Dr. George Murley advierte en The Guardian que hay que tratar esta transición "casi como una sesión de gimnasio para tus pies" y hacerlo de forma progresiva. Alejandro Martínez, podólogo experto, explica en Men's Health Magazine que "un pie sano como mejor funciona es en condición descalzo".

Sin embargo, ante las curas milagrosas, la comunidad médica saca las garras. El Dr. Steven Novella, neurólogo de la Facultad de Medicina de Yale, tilda el "earthing" de pseudociencia que carece de sentido físico, denunciando que muchos de los estudios están mal diseñados y financiados por empresas del sector. La oncóloga Ahn Hee-kyung es contundente sobre los riesgos: caminar descalzo expone a pacientes vulnerables o inmunodeprimidos a infecciones bacterianas potencialmente letales, como el estafilococo o el tétanos, a través de pequeñas grietas en la piel. Como resultado, los hospitales reportan un aumento de fascitis plantar y celulitis por estas caminatas imprudentes, y muchos doctores atribuyen gran parte de las supuestas "curas" a un fuerte efecto placebo potenciado por el entorno.

La alternativa que une mundos: El calzado "Barefoot". Para quienes buscan biomecánica sin tétanos, la industria ha perfeccionado el calzado barefoot (o respetuoso). Se trata de zapatos con "drop cero" (sin tacón), una horma ancha que no comprime los dedos y una suela extrafina. Marcas como Xero Shoes, leguano, Groundies o Freet dominan el nicho, y hasta Zara ha lanzado su propia línea.

Su eficacia en terrenos hostiles está probada: el viajero Matouš Vinš logró escalar los 5.000 metros del Monte Kenia en África con calzado minimalista, superando el reto sin problemas mientras sus compañeros de pesadas botas sufrían ampollas. Del mismo modo, la aventurera Viktorka Hlaváčková asegura ser más rápida en terrenos exigentes gracias a estas zapatillas, y subraya que sus pies mantienen una gran circulación sanguínea incluso bajo cero.

La paradoja de la amortiguación. Resulta revelador que, en el momento de mayor hipertecnificación de la industria del calzado outdoor, el fenómeno más llamativo consista en dejar los zapatos en casa. Mientras el asfalto de las ciudades absorbe millones de zapatillas diseñadas para el alpinismo extremo, la montaña real asiste a una desescalada impulsada a partes iguales por la biomecánica, la industria del calzado minimalista y el fervor surcoreano. Al final, el debate que se abre paso en los senderos no gira en torno a qué nueva tecnología dominará la próxima temporada, sino sobre si el futuro del montañismo pasa, irónicamente, por volver a tocar el suelo.

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Xataka | Caminar casi descalzo es la nueva tendencia de bienestar: así ha llegado el barefoot a todas partes

Basta con abrir el armario de cualquier Millennial para encontrarlas, ya sea desgastadas, garabateadas o con la suela al borde del colapso. Las Converse Chuck Taylor All Star han sido mucho más que un calzado: fueron nuestro —esta redactora se incluye— acompañante incondicional que sobrevivió a todas nuestras fases estéticas, desde la fiebre skater al estilo de Avril Lavigne hasta convertirse en el básico indispensable del día a día para ir a la oficina.

Sin embargo, en los últimos años hemos observado que esta situación ya no es así. A pesar de que las revistas de moda intenten convencernos de que están de vuelta, sabemos que tanto la calle como, ahora, la cuenta de resultados cuentan una historia completamente diferente. El símbolo de nuestra juventud "rebelde" se está hundiendo.

La caída libre financiera. Los números no mienten, y el veredicto del mercado está siendo implacable. Según un informe de Bloomberg, la marca Converse se encuentra actualmente en caída libre, con sus ingresos encaminándose de forma dramática hacia su nivel más bajo en 15 años.

La magnitud del desastre desglosa una sangría financiera: la marca ha encadenado tres trimestres desastrosos, con caídas consecutivas de ingresos del 27% en el primer trimestre, un 30% en el segundo y un brutal desplome del 35% en el tercer trimestre, quedándose en unos escuálidos 264 millones de dólares por la debilidad generalizada en todos los territorios globales.

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Un fantasma recorre Madrid: las "fiestas de dopamina" donde se bebe matcha, se come poke y el alcohol está proscrito

Un contraste enorme con su matriz. En octubre de 2024, Elliott Hill asumió como director ejecutivo de Nike y, a partir de ese momento, el gigante deportivo ha mostrado signos de mejora, especialmente en Estados Unidos y en el mercado mayorista. 

No obstante, los problemas de Converse se han intensificado. En el trimestre de noviembre, la marca originaria de Boston representó menos del 3% de los 12.400 millones de dólares de ingresos totales de Nike, convirtiéndose en el principal lastre para el resurgimiento de la compañía.

Pero, ¿cómo ha podido pasar? Es decir, ¿cómo una zapatilla tan icónica ha perdido de esta manera el favor del público? (También es cierto que los Millennials somos un poco egocéntricos). La respuesta radica en una mezcla de inmovilismo y falta de visión técnica. 

Laurent Vasilescu, analista de BNP Paribas citado por Bloomberg, es tajante al respecto: "Converse ha perdido terreno con los años porque no ha aportado innovaciones. Existía una excesiva dependencia del modelo Chuck Taylor". La marca se durmió en los laureles de su diseño clásico. Cuando intentaron modernizarlo —con el lanzamiento de la línea Chuck II, que incorporaba tecnología de espuma de Nike para hacerlas más cómodas—, el experimento resultó ser un rotundo fracaso comercial.

El mercado ha cambiado drásticamente. Como señala Seeking Alpha, Converse se ha topado de frente con un consumidor que ahora exige innovación técnica, perdiendo la batalla frente a marcas más nuevas y orientadas al rendimiento, como On y Hoka. 

A esto hay que sumar la ironía histórica de que Converse no siempre fue una zapatilla de calle; en los años 50 y 60, dominaba más del 60% del mercado del baloncesto, calzando a leyendas y protagonizando en los 80 la icónica rivalidad entre Magic Johnson y Larry Bird con su modelo Weapon. Paradójicamente, fue la propia Nike la que acabó con su hegemonía en las canchas al fichar a Michael Jordan. Tras perder su trono deportivo, Converse quedó relegada a la moda casual, un terreno que ahora también se desmorona.

¿Estamos ante el final de una era? Ante esta crisis, la respuesta inicial de Nike en Oregón ha sido sacar las tijeras. Según Bloomberg, la compañía redujo la plantilla de Converse, reestructuró su organización y aplicó un severo recorte del 44% en los gastos de marketing durante el segundo trimestre fiscal. Pese a ello, Elliott Hill declaró a Bloomberg TV en Milán: "He oído los rumores [...] Pero estamos comprometidos con la marca Converse".

El plan de rescate pasa por un intento desesperado de recuperar la gloria perdida en el parqué. De hecho, Converse ha vuelto a apostar por el baloncesto profesional, lanzando en septiembre unas zapatillas de 130 dólares en colaboración con Shai Gilgeous-Alexander, el actual MVP de la NBA. 

Una pequeña esperanza. Así que si el intento de reanimación falla, ya existe una opción bastante clara: Authentic Brands Group (ABG). Este gigante de la gestión de marcas, dirigido por Jamie Salter, tiene un largo historial comprando empresas históricas en apuros para exprimir sus ventas a través de licencias y acuerdos operativos.

Ya lo hicieron con Reebok (comprada a Adidas en 2022 por 2.500 millones, logrando aumentar sus ventas minoristas un 50%), y también controlan Champion, Guess y Forever 21. Según Bloomberg, ABG ha expresado un interés de larga data en adquirir Converse si Nike finalmente decide colgar el cartel de "Se Vende".

La realidad de la calle. Existe una fractura fascinante entre lo que dicta la industria de la moda y lo que realmente compran los consumidores. Por un lado, cabeceras de moda llevan desde el año pasado anunciando un "regreso silencioso" de Converse, aplaudiendo cómo celebridades como Alexa Chung o Charli XCX lucen de nuevo las clásicas high-tops en campañas o semanas de la moda. Hablan de un abandono del lujo silencioso en favor de la nostalgia.

Sin embargo, los abrumadores datos financieros de Bloomberg demuestran que este supuesto renacer es un espejismo de Instagram. La generación millennial, que adoptó masivamente esta zapatilla en 2008, ha cambiado sus prioridades por un modelo ergonómico, soporte y comodidad. Las Converse quedan muy bien en las fotos de street style, pero ya no son rentables en el día a día.

Nos hemos hecho mayores. Nike compró Converse en 2003 por 305 millones de dólares, rescatándola de una dolorosa declaración de bancarrota. Hoy, más de dos décadas después, la historia amenaza con repetirse.

Ya sea que logre un milagro en ventas gracias al MVP de la NBA o que termine siendo devorada por el modelo de licencias masivas de Authentic Brands Group, una cosa está clara: la época dorada de Converse ha terminado. Para la generación millennial, ver a su zapatilla emblema luchar por su supervivencia es un recordatorio implacable del paso del tiempo. Las Converse seguirán existiendo, probablemente en el fondo de nuestro armario o como un producto de nostalgia licenciada, pero el símbolo incontestable de nuestro dominio cultural se está apagando para siempre.

Imagen | Julian Terenzio

Xataka | Hemos salido a correr 20 kilómetros con una bolsa de nata líquida en la mochila: ahora tenemos nuestra propia mantequilla

No corren tiempos fáciles para la industria del calzado en México, un sector que genera decenas de miles de empleos, mueve inversiones millonarias y tiene en el estado de Guanajuato su principal bastión. En un mercado muy condicionado por la competencia asiática, la industria local ha experimentado retrocesos y pérdida de empleo, quedándose muy por debajo de su capacidad de producción. 

Con ese telón de fondo el sector ha recibido una noticia curiosa: una sola empresa mexicana está dispuesta a comprar el 20% de toda la producción nacional.

Adicto a los zapatos. Grupo Coppel es un peso pesado de la economía mexicana. El holding, que hace un año anunció sus planes de invertir casi 700 millones de dólares en el país a lo largo de 2025, tiene una larga experiencia en el sector de los servicios financieros y el comercio minoristas, con cientos de puntos de venta repartidos por todo el país. Con todo (y a pesar de su enorme tamaño), sorprende el anuncio que acaba de hacer: en 2026 la empresa prevé comprar ni más ni menos que 42 millones de pares de zapatos producidos en México.

¿Son muchos zapatos, no? Sí. Para ser precisos supone un millón de pares más que los que ya adquirió en 2025. Sin embargo la cifra llama la atención por otro motivo. Con ese enorme volumen de compras, Coppel acaparará la quinta parte (alrededor del 20%) de toda la producción nacional formal de calzado. 

La operación parte de una "alianza estratégica" alcanzada con la Cámara de la Industria del Calzado del Estado de Guanajuato (CICEG) y, según cálculos de la propia firma, permitirá "contribuir al sustento" de las más de 100.000 familias que dependen directamente de la industria del calzado en Guanajuato.

"Esta alianza impulsa el crecimiento de nuestras empresas y fortalece a la industria mexicana del calzado en un entorno de legalidad, transparencia y respeto a las reglas del mercado. Al elegir la proveeduría nacional formal, se contribuye a la construcción de un sector más sólido y competitivo", celebraba hace unos días Juan Carlos Cashat, presidente de CICEG. Para los fabricantes de zapatos de Guanajuato la noticia supone un valioso balón de oxígeno.

Calzado 'made in México'. Su volumen de producción queda lejos del de países como China, India o Vietnam, pero México es un fabricante destacado de calzado. De hecho hay rankings que lo sitúan como el décimo a nivel mundial y el segundo en América Latina, solo por detrás de Brasil. En 2024 las empresas del país produjeron alrededor de 214 millones de pares de zapatos, lo que explica que el sector contribuya con millones de dólares al PIB mexincano (sobre todo en Guanajuato, el corazón del sector) y mantenga también miles de empleos.

A pesar de esa huella, el sector no ha tenido unos años fáciles. "El impacto de la pandemia fue severo. Antes de 2020 teníamos 64.000 empleos registrados ante el IMSS. Durante la pandemia esa cifra cayó a 49.000", reconocía hace dos años el CICEG. Desde entonces la situación ha cambiado, pero el sector sigue lejos de estar al 100%. Más allá de los vaivenes del mercado, la industria ha tenido que lidiar con la competencia de mercancía de bajo coste procedente de Asia.

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El Gobierno, al rescate. Los datos citados por la prensa local son elocuentes. En 2022 México importó 136,4 millones de pares de calzado valorados en 1.843 millones de dólares. Dos años después la Balanza Comercial de Importaciones mostraba que ese flujo  había alcanzado ya los 185,5 millones de pares con un valor de 2.163 millones de dólares. De media cada par costaba 11,6 dólares.

El problema no era tanto la llegada de producto fabricado en Asia como la competencia que ejerce para las firmas nacionales, sobre todo por las sospechas de la alteración de precios. Para salir de dudas las autoridades respondieron con una investigación antidumping y en septiembre de 2025 decidieron imponer un sistema de cuotas compensatorias a las importaciones llegadas de China.

No fue el único espaldarazo del Gobierno a la industria. En noviembre el Ejecutivo anunció un Plan de Impulso del Textil y Calzado para financiar a pequeñas y medianas empresas. El objetivo: inyectar alrededor de 6.500 millones de dólares para mejorar la competitividad de la industria y reactivar 50.000 puestos de trabajo, recuperando parte del músculo productor perdido.

¿Cómo pinta el futuro? Optimista. Al menos así lo reconocía en diciembre el CIEG. "A pesar de un entorno económico y comercial desafiante, la industria en Guanajuato empieza a mostrar señales de recuperación, sobre todo en materia de empleo y capacidad productiva", señala el sector, que recuerda que entre el mes de septiembre y octubre registró un pequeño repunte de empleo. El alza fue modesta (256), pero se trata de la primera recuperación "en muchos años".

La patronal detectó también un cambio en el mercado internacional. "Las importaciones totales continúan elevadas, con más de 141 millones de pares importados de enero a septiembre de 2025, aunque destacan avances relevantes en el combate a prácticas desleales", celebra CIEG."Las importaciones de China, correspondientes a fracciones arancelarias con cuota, disminuyeron un 81%".

Imágenes | Irfan Simsar (Unsplash) y Phil Desforges (Unsplash)

En Xataka | Ciudad de México ya está notando el efecto económico del Mundial: está perdiendo viviendas y ganando pisos de Airbnb

Cualquier asistente asiduo a la Semana de la Moda de Milán sabe qué esperar en la primera fila: un ecosistema perfectamente coreografiado de ídolos del K-pop, estrellas de internet y actores de Hollywood con contratos millonarios. Sin embargo, en la presentación de la colección femenina de Prada Otoño/Invierno 2026, apareció una figura que a primera vista parecía un error en Matrix: Mark Zuckerberg. Como señala la revista GQ, el público habitual de la moda está sufriendo una metamorfosis y la élite tecnológica está reclamando su lugar bajo los focos, tal y como demostró la aparición de Jeff Bezos en el debut de Jonathan Anderson para Dior.

Sin embargo, el fundador de Meta no terminó de mimetizarse con el entorno. Como describió The Times con cierta ironía británica, Zuckerberg lucía tenso frente a los flashes, como "alguien que alguna vez escuchó hablar del concepto de sentarse en un banco, pero nunca lo ha intentado", extendiendo torpemente los dedos sobre sus pantalones y sin saber muy bien hacia dónde mirar mientras las modelos desfilaban.

¿Pero qué está haciendo la élite de Silicon Valley ahí? A pesar de su reciente cambio de imagen —que algunos han bautizado como el Zuckaissance, dejando atrás su uniforme de camisetas grises por prendas de Balenciaga y cadenas doradas—, su presencia en Milán no responde a un mero capricho de turista de compras. Es un movimiento de ajedrez corporativo de primer nivel.

Según detalla The Times, la clave estaba en la disposición de los asientos (el codiciado Frow o front row). Zuckerberg no fue colocado junto a cualquier celebridad al azar, sino estratégicamente hombro con hombro con Lorenzo Bertelli, director de marketing de Prada e hijo de la diseñadora Miuccia Prada. A su lado, su esposa, Priscilla Chan, compartía confidencias nada menos que con Andrea Guerra, director ejecutivo de la marca italiana. Además, cumplieron con los deberes estéticos cambiando totalmente su estilo por la sobriedad de Prada. 

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He probado las Ray-Ban Meta 2 durante semanas y he descubierto algo: Meta ha hecho unas gafas brillantes con una IA decepcionante

La alta costura como caballo de Troya. Toda esta coreografía social apunta en una única dirección comercial. Según recoge la CNBC, Meta y Prada están colaborando estrechamente para lanzar unas gafas inteligentes de lujo con inteligencia artificial. El puente corporativo que une Silicon Valley con Milán ya está construido. Meta lleva años colaborando con éxito con EssilorLuxottica, el gigante franco-italiano que fabrica las actuales Ray-Ban Meta. Unas gafas que, por cierto, alcanzaron la nada desdeñable cifra de 7 millones de unidades vendidas en 2025. Dado que EssilorLuxottica acaba de renovar su acuerdo de licencia con Prada hasta la década de 2030, la triangulación del negocio es evidente.

El objetivo de esta maniobra es legitimar la tecnología de vigilancia personal a través de la exclusividad. Como explica TechCrunch, llevar la IA a la alta costura cubre un nicho que marcas más deportivas o casuales como Oakley y Ray-Ban no pueden alcanzar. Consolidar estas gafas como un símbolo de estatus y lujo es el paso definitivo para beneficiar la imagen global de la marca Meta.

El músculo tecnológico detrás del diseño. Para que un producto de Prada tenga sentido, la tecnología interior no puede fallar, y aquí es donde los medios especializados en tecnología aportan el contexto crucial. Como explica un análisis en profundidad de mi compañero Lacort en Xataka, el hardware de las actuales Ray-Ban Meta es brillante —fantásticas como altavoces y geniales como cámara discreta—, pero su software es el eslabón débil. Su asistente "Meta AI" se siente actualmente como un "becario despistado" que sufre de falta de contexto y respuestas erráticas.

Para solucionar esto y estar a la altura de una etiqueta de lujo, Meta ha sacado la chequera. Otro reciente reportaje de Xataka detalla que la compañía acaba de firmar un acuerdo milmillonario con NVIDIA para adquirir su nueva generación de infraestructura de servidores (la arquitectura Rubin y procesadores Grace). Mark Zuckerberg sabe que para vender las gafas del futuro necesita alcanzar lo que llama la "superinteligencia personal", procesando datos en tiempo real sin los fallos actuales, cueste lo que cueste.

El elefante en la habitación. A pesar del cambio de look y la inversión multimillonaria, Meta se enfrenta a un desafío que la moda no puede ocultar fácilmente. Apenas unos días antes de sentarse en la pasarela, el dueño de Meta estaba testificando en un tribunal de Los Ángeles en un juicio histórico sobre la adicción a las redes sociales. Lo más irónico de todo es que la jueza amenazó con declarar a su equipo en desacato por presentarse en la sala con gafas Meta equipadas con cámara, en un lugar donde grabar está prohibido.

Como advierte TechCrunch, las gafas de Prada llegarán en un momento de creciente rechazo ciudadano hacia los dispositivos de vigilancia constante. La sociedad está empezando a reaccionar contra la tecnología invasiva. El rechazo es tan real que, como subraya el medio, ya existe un desarrollador que ha creado una aplicación móvil exclusivamente para avisarte si alguien a tu alrededor lleva puestas gafas con IA. Esto plantea serias dudas sobre si Meta se atreverá a incorporar funciones polémicas como el reconocimiento facial, algo que The New York Times ya sugirió que estaba en estudio.

¿El diablo viste de Prada? Al final del desfile, un detalle no pasó desapercibido. Como observó Business Insider, Zuckerberg no llevó puestas sus características gafas inteligentes de Meta mientras estaba sentado en la primera fila. Y es que no le hacía falta. La fotografía de él sentado junto a la cúpula directiva de Prada era el mensaje en sí mismo. 

Silicon Valley ha comprendido finalmente que, para convencer a millones de personas de llevar una cámara, un micrófono y una IA en su rostro todos los días, el diseño importa tanto como los microchips. La próxima gran revolución tecnológica no se anunciará en un aséptico auditorio de California con un presentador en vaqueros; se está decidiendo ahora mismo, bajo los focos de la pasarela de Milán.

Imagen | José Goulão y Mark Zuckerberg

Xataka | AMD quiere ser la gran alternativa a NVIDIA en chips para IA, y Meta tiene un plan que involucra a las dos