Hoy muchos hablan de ella como uno de los estrenos más esperados del verano, quizás como una contraposición familiar y colorista a propuestas más densas como 'La Odisea'. Y sin embargo, 'Masters del Universo' tiene detrás una historia de guerra de derechos, fracasos de taquilla y enfrentamientos varios que ha convertido en toda una gesta digna de una de sus aventuras más tumultuosas que, cuatro décadas después de su creación, este Conan en el espacio llegue a las pantallas.

Fracaso tras fracaso hasta la victoria final. En agosto de 1987. Cannon Films, la productora israelí-americana que había construido su reputación a base de películas de acción de bajo presupuesto en franquicias como 'El guerrero americano' o 'Desaparecido en combate' apostó fuerte por 'Masters del Universo' como billete de entrada al Hollywood de los grandes estudios. Con un presupuesto de 22 millones de dólares (enorme para los estándares de Cannon) y ambiciosas campañas de marketing que la presentaban como capaz de codearse con 'Star Wars', el resultado fue un fracaso comercial estrepitoso: solo 17,3 millones de recaudación, lo que contribuyó al hundimiento de la compañía.

Los fans de la popularísima serie animada que servía como anuncio para los nuevos lanzamientos de la línea de juguetes protestaron por la decisión más discutida de la película: en lugar de mostrar el mundo fantástico de Eternia, la mayor parte de la historia transcurría en la Tierra, lejos de las criaturas mágicas y las batallas épicas que habían alimentado las espectaculares ilustraciones de las cajas de los muñecos de acción. El motivo de esa decisión fue estrictamente económico: Eternia era muy difícil de materializar en pantalla con el presupuesto del que disponía Cannon. 

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39 años de espera. Lo que vino después fue una de las sagas de desarrollo frustrado más prolongadas del cine moderno. Los derechos de la franquicia pasaron sucesivamente por Warner Bros. (2007), Columbia Pictures (2009), Netflix (2022) y finalmente Amazon MGM Studios. Múltiples nombres se vincularon a equipos creativos y reparto, como Jon M. Chu, McG o John Woo, y Noah Centineo estuvo en conversaciones para el papel protagonista. Ya con Amazon, se anunció a Travis Knight como director y a Chris Butler como guionista. Era la primera vez en casi cuatro décadas que una 'Masters del Universo' completaba su producción.

Factor Barbie. La película llega en un contexto muy concreto para Mattel: la compañía lleva dos años intentando convertirse en generadora de franquicias de éxito para Hollywood. 'Barbie' recaudó más de 1.400 millones de dólares en todo el mundo y ganó un Oscar, convirtiéndose en el punto de referencia de toda la estrategia cinematográfica de Mattel. Desde entonces, la compañía tiene más de quince proyectos anunciados que incluyen adaptaciones de Hot Wheels o Polly Pocket.

La comparación con 'Barbie', sin embargo, hace aguas en algunos aspectos. Son franquicias esencialmente distintas y posiblemente películas muy diferentes ('Masters del Universo', muy posiblemente, no tenga nada de aquella inteligente capa de feminismo pop, aunque muy posiblemente posea el mismo acercamiento irónico a personajes que, sin humor, no soportarían una revisión actualizada). Tampoco los juguetes son iguales: Barbie es una marca omnipresente en la cultura global, mientras que He-Man es nostalgia generacional de nicho.

Un artefacto nostálgico. El debut de Travis Knight fue 'Bumblebee', el excelente spin-off de 'Transformers' que bañaba de sencillez aventurera lo que en las entregas de Michael Bay había sido épica enloquecida. De su 'Masters del Universo' ha dicho que "no estamos haciendo un dibujo animado, estamos haciendo una película de fantasía de acción real"

El reparto es uno de los puntos fuertes del proyecto: Nicholas Galitzine es He-Man, Camila Mendes es Teela, Alison Brie es Evil-Lyn, Morena Baccarin es la Hechicera, Idris Elba es Man-At-Arms y Jared Leto es Skeletor. Travis Knight es muy consciente de la responsabilidad que tiene con los fans de la franquicia: "Cuando empezamos a visualizar este mundo, queríamos hacer justicia a los fans", dijo Knight, y añade que "verlos cobrar vida en la gran pantalla te emociona un poco" 

El desafío. Las primeras previsiones de taquilla sitúan la apertura doméstica entre los 25 y los 35 millones de dólares para el fin de semana del 5 de junio. Con un presupuesto estimado de entre 170 y 200 millones de dólares, son claramente insuficientes. ¿Puede la película hacer que las audiencias jóvenes se interesen por He-Man, Skeletor y Eternia en 2026? Sin duda, una pregunta pertinente, porque puede garantizar continuidad para otras franquicias jugueteras o el cerrojazo para el Castillo de Greyskull durante otras cuatro décadas.

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Treinta mil personas han llenado el BEC de Barakaldo durante dos noches para presenciar uno de los regresos más esperados del pop español. Amaia Montero volvía a La Oreja de Van Gogh casi veinte años después de su salida, en una gira bautizada 'Tantas cosas que contar' y que prometía cerrar un ciclo (o abrir uno nuevo). Pero de estos primeros conciertos (especialmente del primero) se ha acabado hablando por razones muy distintas a las previstas.

La Oreja, el regreso. Cuando La Oreja de Van Gogh anunció oficialmente el 15 de octubre de 2025 que Amaia Montero volvía a la banda, las entradas se agotaron en cuestión de horas en numerosas ciudades, y se añadieron fechas nuevas ante la demanda. La gira consta de 16 paradas que se extienden hasta noviembre de 2026 y que incluyen el Movistar Arena de Madrid (tres noches), el Palau Sant Jordi de Barcelona y la Illunbe Donostia Arena. Es, ahora mismo, uno de los fenómenos pop más relevantes del año en España. 

Cómo empezó. El detonante fue una aparición que nadie esperaba. en julio de 2024, de Amaia Montero en el Santiago Bernabéu durante uno de los conciertos de Karol G para interpretar 'Rosas', el himno de La Oreja de Van Gogh. La reacción fue descomunal y poco después, La Oreja de Van Gogh anunciaba la salida de la banda de Leire Martínez, vocalista del grupo durante 17 años, alegando "diferentes maneras de vivir el grupo". En octubre de 2025 se anunciaba oficialmente el regreso de Amaia. 2026 es el año del 30 aniversario de La Oreja y el 25 de 'El viaje de Copperpot', uno de sus discos más recordados.

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La Oreja de Van Gogh no tenían suficiente con poner música a una generación: necesitaban ser un culebrón perpetuo

Qué pasó en Barakaldo. El 9 de mayo de 2026 arrancó la gira en el BEC y 18.000 personas asistieron al primer concierto. Amaia apareció en el centro del escenario subida a una plataforma elevada, con un mono rosa brillante. Dijo: "Bajé al mismísimo infierno, pero con mis cicatrices, después de luchar mucho, aquí estoy". Sin embargo, pese a las buenas intenciones, las crónicas coincidieron en que Amaia estaba "fuera de tono y muy justa para llegar a las notas altas". 

Se viralizó especialmente su interpretación de 'Nothing Compares 2 U', el clásico de Prince popularizado por Sinéad O'Connor y con el que la banda la descubrió originalmente, pero profundamente desafinada. La propia Amaia reconoció sobre el escenario: "Lo hago fatal". Lo asombroso es que, como también se ha llegado a decir, Amaia "ha tenido más de un año para prepararse vocalmente" y pese a ello mostró "muchísimas carencias técnicas". El grupo podría haber adaptado las tonalidades a su voz actual, pero no lo ha hecho para que las canciones sean idénticas a como recuerdan los fans, y ahí está el problema.

Segunda vuelta. El 10 de mayo, en el segundo concierto en el mismo recinto, el setlist pasó de 25 canciones a 22. Desaparecieron 'Nothing Compares 2 U', 'Todos estamos bailando la misma canción' y 'La niña que llora en tus fiestas', los tres temas que habían generado más problemas la noche anterior. También se redujo la presencia de canciones de la etapa de Leire Martínez. Amaia se mostró más confiada y la plataforma elevada se reservó para 'Mariposa'.

Las reacciones de los fans. La acritud con la que se ha recibido este regreso de Amaia tiene que ver con que el público de La Oreja de Van Cogh está dividido en dos comunidades. Los fans que llegaron con Amaia, treintañeros que crecieron con 'Rosas', 'La playa' o '20 de enero', vivían el concierto como el regreso de una diva y los desafines eran disculpables. Los fans que se incorporaron con Leire, en cambio, escuchaban a alguien cantar con evidente esfuerzo canciones que su protegida interpretó durante casi dos décadas con gran solvencia técnica.

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Hay una guerra civil entre dos facciones irreconciliables: los fans de La Oreja de Van Gogh antes y después de Amaia

Buena parte de los fans de la banda (o ex-fans, a estas alturas) piensan que hay una voz que ahora ha sido desplazada, sin explicación pública satisfactoria y con una salida que fue tensa: Amaia no aceptó compartir los conciertos del 30 aniversario con Leire, y el grupo optó por prescindir de ella. Eso ha fracturado irremediablemente al público, que en el caso de los fans de la vocalista expulsada, difunden en redes con especial saña los fallos de Amaia.

El síndrome de los regresos. No todas las reuniones nostálgicas son un triunfo. Las hay que pinchan estrepitosamente porque intentar revivir una energía que respondía a circunstancias irrepetibles, que lo que consiguen es dejar bien claro justo lo contrario: que esa energía ya no existe. Los Sex Pistols en su gira de 1996 es uno de los casos más memorables por su autoconsciencia, pero el drama data de antes: The Animals, Simon & Garfunkel o The Byrds en décadas anteriores también pincharon al intentar recuperar a su público. La lista de bandas que se estrellaron recientemente en una reunión (no necesariamente en lo comercial, eso sí) es infinita: Jane's Addiction, Guns'n Roses...

El motivo es siempre que la búsqueda de dinero es patente por encima de las relaciones entre sus miembros, a veces muy deterioradas. En este caso, pese a que las economías de los miembros de la banda están muy saneadas, de los vídeos se intuye una cierta suspicacia e incomodidad entre los músicos y vocalista. Porque esa es otra: triunfen en lo lírico y lo comercial o no, de lo que no van a poder huir es de las malas lenguas. Como muy bien saben los fans de Leire.

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Si te interesan los formatos físicos fuera de circulación comercial (iba a poner ejemplos, pero acabo de darme cuenta -en el primero de los muchos palos psicológicos en torno a mi edad que voy a recibir con este artículo- que cualquier formato físico está caduco por definición), te toparás a menudo con el mismo inconveniente. El problema no es tanto encontrar material que disfrutar, sino mantener a punto y en buen estado la tecnología que nos permite disfrutarlo. Dicho en términos que todos conocemos: el problema es tanto de software como de hardware.

El ejemplo clásico son los videojuegos retro. Ya no solo hay que rastrear, conseguir y mantener en buen estado los cartuchos de la NES, sino que hay que mantener la NES a punto. En el caso de las consolas de los ochenta, que todos sabemos que sobrevivirán en perfecto estado de funcionamiento al parece que inminente colapso de la civilización, no hay grandes problemas, pero intenta mantener a punto una Xbox 360 o una PS3. Palabras mayores.

Pues así con todo. Si te interesa el audiovisual, el problema no es tanto encontrar cintas de VHS de esa esquiva obra maestra de Michael Dudikoff que te falta para completar la saga de 'American Ninja'. El problema más bien es asegurarte de que el reproductor de VHS y, sobre todo, las fragilísimas teles de tubo siguen permitiéndote ver esos peliculones que ni están ni se les espera en Prime Video. Lo mismo con el audio: encontrar cintas de chistes de los Hermanos Calatrava es relativamente fácil, encontrar donde reproducirlos es otro cantar (o gritar).

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Sigo escuchando música grabada en cassettes… y tengo buenas razones para ello

Y lo confieso. Creo que he comprado en los últimos años más reproductores de cassette en general y boomboxes en particular (nombre que reciben, en general, los reproductores de audio portátil que incluyen radio AM/FM y cassettes, a menudo con doble pletina, con CD en los últimos modelos, popularizado en las décadas de los setenta y los ochenta) que cuando las cintas eran el formato dominante. La razón es lógica: vas comprando dispositivos de segunda mano, que ya tienen su correspondiente trote y que están al borde del colapso, cuando no vienen ya colapsados directamente.

Un invento como el de Medion, por eso, me resulta especialmente atractivo: buena calidad de sonido, extras que no se podían soñar en los ochenta (entradas de miniSD y USB, Dab+, ahora lo veremos todo), precio sumamente asequible para lo que ofrece. Vamos a revisar rápidamente qué ofrece este interesante cacharro y luego os voy a dar mis impresiones como target absoluto de este tipo de inventos.

Un buen armatoste

Empecemos por lo obvio. El boombox de Medion es voluminoso: 670 mm de anchura por 271 de altura y 171 de profundidad, lo tenéis en la imagen de arriba con uno de doble pletina de la época, que no es de los mas grandes, pero tampoco una mosquita muerta. El motivo de la envergadura de este monstruo son los altavoces, con más diámetro del habitual, una zona superior con un par de pequeños altavoces extra, más los controles de graves y agudos, el sintonizador de frecuencias y el volumen, coronados por una pequeña pantalla LCD y el dial de la radio. Podrían ser más pequeños, pero también cumplen una función estética, porque francamente, quién quiere un dial de volumen que no se puede agarrar a manos llenas.

En la parte superior el dispositivo tiene un asa plegable francamente útil, además de la insustituible antena replegable para recibir la radio. Con sus 6,1 kilos de peso no estamos ante un boombox especialmente portátil ni manejable, pero francamente, aunque tiene espacio para cuatro baterías Tipo D (suerte para darles otro tipo de utilidad salvo que también seas coleccionista de linternas), no es un aparato para sacar a pasear.

Aún así, sin necesidad de moverlo de tu casa, sí que es interesante que sea cómodo pasarlo de una habitación a otra gracias a su asa. Nuestra impresión es que acabarás encontrándole un espacio dedicado, debido a su volumen y su relativamente escasa manejabilidad. No es un inconveniente en absoluto, pero si tienes un rincón reservado para CDs y cassettes ve despejando la microtele con DVD incorporado o las cajas del Trivial y el Pictionary.

Qué puede hacer

Básicamente, estamos ante una boombox que incluye radio y reproductor (sencillo, pero quien quiere una doble pletina hoy) de cassettes y CD. En todos los casos el funcionamiento es impecable, aunque veremos qué tal le sienta a medio plazo tener el CD en vertical. Lo mejor: la posibilidad de inyectar unos buenos bajos con el dial dedicado o con el impulso extra del X-bass, con un pulsador dedicado, evitando así el temido "sonido de lata". Los altavoces tienen la suficiente calidad como para escucharse bien (y altos) incluso aunque no nos coloquemos frontalmente al aparato, pero hay que estar preparados para toquetear bajos y agudos con cada cosa que pongamos, sobre todo si alternamos CDs y cassettes. Si me preguntáis, es parte de la diversión.

Hemos forzado la máquina con cassettes grabados, muchas escuchas (y préstamos) a cuestas y sus buenos treinta años de edad, y el resultado es todo lo bueno que puede ser en artefactos así, hasta el punto de sorprender en muchos casos. Algunos de estos cassettes no los escuchaba con esta calidad desde los tiempos en los que usaba un enorme equipo de música, con unos señores altavoces estéreo de la época.

Al fin y al cabo, escuchar un CD con buena calidad de sonido está aún a nuestro alcance, puedes hacerlo en un ordenador con un buen equipo de altavoces y unidad de disco. Un cassette grabado y con décadas de trajín a sus espaldas es más complicado escucharlo con calidad que le haga justicia. De nuevo, me gustaría subrayar el estupendo trabajo que hacen unos bajos muy potentes en dotar de cuerpo y presencia a música que, a menudo, no la he conservado en el mejor soporte (cassettes grabadas y regrabadas decenas de veces de... ehm... First Line -la marca blanca de Pryca-).

Como extras, tenemos emisión de DAB+, el estándar avanzado de radio digital terrestre que permite escuchar emisoras (las mismas de la emisión de FM tradicional) con sonido de calidad similar a un CD y sin interferencias. Escanear el dial de DAB+ es sumamente sencillo, así como moverse por las cadenas, con el añadido de que veremos en la pantalla LCD el nombre de las emisoras. Es un estándar de indiscutible calidad de sonido que, sin embargo, no está tan extendido como sería de desear: que este boombox lo incorpore es un aliciente importante, porque ofrece la experiencia tradicional de la radio con más comodidad y calidad.

Dejando aparte un simpático jack de micrófono para quien tenga inquietudes radiofónicas, tenemos la posibilidad de insertarMicroSDs y memorias USB y leer lo que contengan: perfecto si tienes montañas de archivos de audio a los que quieres dar salida de forma más efectiva que tostando torres de CDs. Eso sí, solo podrás oir MP3, no FLAC, WAV, AAC o WMA. Pero gracias a la pantalla LCD podrás moverte con relativa facilidad por menús y carpetas. Lo hemos probado con CDs grabados hace, de nuevo, más años de los que nos gustaría reconocer, y el sonido es tan impecable como en un CD original. Te recordamos, eso sí, que este tipo de grabaciones son volubles y caprichosas, así que las copias de seguridad son siempre tus amigas.

Finalmente, el boombox tiene la capacidad de funcionar como altavoz bluetooth, así que podrás reproducir en él audio disparado desde tu móvil u ordenador. Ahí sí que vemos una utilidad muy pertinente y actual, si quieres tener unos buenos altavoces en casa que te sirvan para reproducir listas de Spotify o Youtube gestionadas desde una pantalla táctic convencional y manejable. 

Un capricho para nostálgicos

Medion ya tiene otros dispositivos más asequibles, el E65711 que es solo radio y CD (el clásico estilo "ojos de mosca" que se puso de moda en los dosmiles) o el E65010, algo más grande y también con cassette. Pero este P66538 tiene dos extras de enorme interés. Por una parte, el añadido meramente estético: el aire a boombox de los ochenta es un caramelo visual si adoras el formato físico, y el acabado de los materiales es extraordinario, con la mezcla perfecta de elegancia y tosquedad.

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De vuelta al amor por los formatos físicos

Por otra, el sonido, más potente y con una mayor cantidad de matices que sus hermanos pequeños. Las pruebas que hemos hecho en ese sentido nos han dejado  muy satisfechos: buenos bajos y sacando lo mejor incluso de grabaciones algo cochambrosas, un punto que sin duda apreciarán quienes tengan un buen archivo de material con décadas de antigüedad. Si todo lo que tienes para escuchar es un par de cassettes de Billie Eilish compradas recientemente a modo de souvenir en un concierto, quizás te baste con un modelo inferior.

Finalmente, las pegas, que hemos dejado para el final porque son personales y matizables: el peso y la envergadura pueden ser un problema en casas pequeñas, prepárate para reservarle un espacio considerable en un lugar privilegiado. Y el precio... ¿quién está dispuesto a pagar doscientos euros por escuchar con buena calidad formatos caducos? Quizás esa sea la pregunta definitiva que le da sentido a este artefacto, una cuya respuesta muchos preferimos no pararnos mucho a meditar. Por si cambiamos de opinión.

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Los micronichos son uno de los fenómenos más fascinantes de Steam: salidos de no se sabe dónde, poniendo de acuerdo a desarrolladores separados entre sí miles de kilómetros, gracias a ellos coinciden un puñado de juegos que comparten rasgos temáticos, estéticos o mecánicos (lo que en la escena indie se conoce como multiple discovery). Ahora, surfeando la ola de la nostalgia millennial, coinciden varios juegos de un nuevo micronicho: la gestión y trabajo de tintes retro. Viva el plástico. 

Viva el videoclub. En marzo de 2026, dos equipos de desarrollo que no se conocían entre sí lanzaron en Steam dos juegos sobre videoclubs de los 90 con una escasa diferencia de seis días. Ninguno sabía del trabajo del otro, pero los dos triunfaron: escalaron en el ranking de ventas de la tienda de Valve y acumularon miles de reseñas positivas. Y todo el fenómeno dice mucho del momento cultural en el que estamos.

Retro Rewind. Con el subtítulo 'Video Store Simulator', este juego llegó a Steam el 17 de marzo de 2026. Lo ha desarrollado Blood Pact Studios, un equipo de dos personas en Canadá, y vendió más de 100.000 copias en sus primeros cuatro días. Las valoraciones, en la categoría de "Abrumadoramente Positivas". Su mecánica es deliberadamente sencilla: abres un videoclub a principios de los 90, pides cintas por catálogo, llenas estanterías por géneros, cobras multas por devolución tardía y atiendes al cliente que quiere 'Terminator 2', de la que ya no quedan copias. Hay hasta una sección para adultos escondida en un rincón y un camello de cintas piratas que aparece dos veces por semana en un callejón.

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No solo tenemos nostalgia de cuando éramos jóvenes: tenemos nostalgia de la capacidad de atención que teníamos entonces

Rewind 99. Seis días antes, 'Rewind 99' entró en Early Access con una premisa casi idéntica pero un tono distinto. Desarrollado por Gunmetal Games, el juego sitúa al jugador al frente del último videoclub de la ciudad en 1999, luchando contra la expansión de un servicio de streaming llamado RentNet. 'Retro Rewind' apuesta por la gestión pura para un solo jugador, pero 'Rewind 99' es más complejo: progresión tipo RPG, mundo abierto, misiones secundarias y modo cooperativo en línea. Valoraciones en el marco de "Muy Positivas" y salida completa del Early Access en 2028. 

ReStory: Chill Electronics Repairs. Vamos a otro aspecto algo más cozy de la nostalgia millennial. 'ReStory: Chill Electronics Repairs', desarrollado por Mandragora y publicado por tinyBuild, no va de alquilar tecnología retro, sino de manipularla. Desmontar, limpiar, soldar y reconstruir cartuchos en un taller de reparación del Tokyo de principios de los 2000 es la tarea central del juego, que además no anda corto de ambición icónica, ya que incluye consolas Atari con licencia oficial, como la 2600 y la Jaguar, además de teléfonos móviles, cámaras, mascotas digitales y reproductores de música. El trabajo del jugador, además, afecta a los clientes y al destino de la tienda. Hay demo en playtest limitado en Steam y el lanzamiento está previsto para este mismo año.

Tiendas para millennials. Esta coincidencia se explica con dos fenómenos que colisionan y cuyos frutos brotan aquí: por una parte, el subgénero del simulador de tienda, que lleva años asentado en Steam gracias a títulos como 'Supermarket Simulator' o 'Gas Station Simulator', con la gestión de inventarios temáticos y la atención al cliente (con innumerables variantes, de los juegos de citas a las visual novels) como mecánicas centrales. Y por otra parte, la nostalgia millennial que ahora está empezando a echar de menos los últimos coletazos del formato físico, como los cartuchos, los VHS o los DVDs. Resultado del apareamiento: los juegos indies más entrañablemente turbocapitalistas del momento.

En Xataka | Internet ha decidido que 2016 fue genial y que vale la pena recordarlo. Pero hay un problema: no lo fue en absoluto

En tiempos en los que la prensa del videojuego tradicional, en papel y de venta en kioscos, prácticamente ha desaparecido del mapa (solo con alguna gloriosa salvedad que resiste a duras penas), los productos dirigidos a la línea de flotación nostálgica de los jugadores más veteranos goza, sin embargo, de muy buena salud. Lo saben bien en Hecho con Pixels, que editan no solo una revista consagrada al retro ('Píxels'), sino también continuaciones oficiales de iconos del kiosco como 'Microhobby' y, ahora, 'Micromanía'... ¡en formato sábana!

Paréntesis de dos años. En enero de 2024, hace ahora poco más de 24 meses, dejó de publicarse la veterana 'Micromanía', la revista de microordenadores primero, PC después, que acompañaría a varias generaciones de jugadores. Sus primeros números, en formato tradicional, cubrían la actualidad de máquinas de 8 bits como Spectrum 48K, Amstrad CPC y Commodore 64. Revolucionaron los kioscos con su segunda etapa, la más icónica, en un formato tabloide que multiplicó los contenidos y sirvió de puente hacia los 16 bits. Una tercera etapa, de nuevo en un formato tradicional, ya se centraría en el mundo PC. 

Un regreso mixto. En esta nueva encarnación el formato seá algo más reducido: 25cm x 35cm, es decir, más gramde qiue cualquier revista al usom, pero sin llegar al brutal exceso de la original. La revista será bimestral, y se podrá comprar en formato digital en PDF (5,99 euros), en papel (11,99) o ambas (13,99). La maquetación y el diseño rtecuerda inevitablemente al estilo original y los contenidos serán comparables: análisis al estilo clásico de Amiga, Atari ST, MS-DOS, Game Boy, NES, Master System, Mega Drive, SNESm, etc., recreativas, noticias sobre la actualidad de la escena retro, soluciones y mapas...

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Azpiri es más que las mejores portadas de videojuegos clásicos: este nuevo corto se inspira en su obra de ciencia ficción

Qué hay en el número uno. De momento, los contenidos del primer número que conocemos son: 

• Portada dedicada a Monkey Island, con reportaje sobre Ron Gilbert y la saga completa
• Dos pósters de regalo en las páginas centrales de cada número en tamaño gigante
• Maldita Castilla Requiem: análisis exclusivo y demos descargables para Mega Drive y Dreamcast
• Entrevistas a redactores originales de Hobby Press (Microhobby, Micromanía, Hobby Consolas)
• Reencuentro con Turbo Girl, juego de la primera portada en formato sábana, hace 38 años

Quién está detrás. Sin duda, este es el detalle más interesante de esta propuesta: tras la redacción de la revista se encuentran una buena cantidad de nombres propios de la edad clásica del periodismo de videojuegos en España, que garantizan que el estilo de las críticas y los artículos va a estar en línea con lo que se hacía entonces. Dirige José Luis Sanz, que ya estuvo al frente en su día de 'Hobby Consolas', y le acompaña Marcos García, que dirigió revistas, pradójicamente, en la competencia: 'Superjuegos' y 'Revista Oficial Playstation', entre otras. A ellos se suman redactores como Jesús Martínez del Vas, José Luis Rodríguez, J. Luis Molina y Juanjo Muñoz, entre otros.

Apuesta por el pasado. Como no podía ser de otro modo, las revistas que sobreviven en papel, con pocas salvedades, apuestan por contenidos retro, o al meno el retro tiene una fuerte presencia en sus páginas. A las mencionadas cabeceras de Hecho con Pixels se suman publicaciones como la edición española de 'Retro Gamer', también de Axel Springer. La nueva encarnación de 'Micromanía' está dirigida, obviamente, a quienes la compraron en su día: un mercado jugoso de cuarentones que buscan volver incluso al formato más espectacularmente incómodo de la historia de nuestros kioscos. 

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Si antes de Windows 95 usaste otros sistemas operativos, es difícil no recordar la sensación de estar ante algo completamente nuevo. Aquella propuesta introdujo elementos que hoy damos por sentados, como el menú Inicio, la barra de tareas o el Plug and Play, y lo hizo en una época en la que arrancar un PC era casi un pequeño ritual. Pero bajo esa interfaz tan familiar se escondía una arquitectura compleja, fruto de la convivencia forzada entre herencias de DOS, Windows de 16 bits y las primeras capas de 32 bits. Ese diseño, tan poco elegante como eficaz, dio lugar a comportamientos inesperados que todavía hoy sorprenden.

Pocos usuarios sabían que Windows 95 escondía una ruta alternativa al reinicio clásico. Bastaba con mantener pulsada la tecla Shift durante el proceso iniciado desde la interfaz gráfica para que el sistema mostrara el aviso "Windows se está reiniciando", en lugar de seguir el camino de un reinicio en frío, tal y como describe Raymond Chen. La diferencia no era espectacular, pero sí perceptible en una época en la que cada minuto de arranque contaba. Ese pequeño gesto activaba un mecanismo interno pensado para evitar, siempre que fuera posible, empezar desde cero.

El atajo que no reiniciaba del todo

Detrás de ese comportamiento había una decisión técnica precisa. Chen detalla que Windows 95 utilizaba una bandera llamada EW_RESTARTWINDOWS al invocar la antigua función ExitWindows, todavía de 16 bits. Con esa instrucción, el sistema no ordenaba un reinicio en frío del ordenador, sino algo más limitado: cerrar Windows y volver a arrancarlo. El objetivo era ahorrar pasos, siempre que la situación interna lo permitiera, aunque esa optimización dependía de que todo encajara correctamente.

Una vez tomada esa ruta alternativa, el proceso seguía una secuencia muy concreta. Primero se cerraba el kernel de Windows de 16 bits. A continuación se apagaba el gestor de memoria virtual de 32 bits y el procesador volvía al modo real, el estado más básico del sistema. En ese punto, el control regresaba a win.com con una señal especial que pedía algo muy específico: volver a iniciar Windows en modo protegido sin pasar por un arranque completo del equipo.

Con el control de nuevo en win.com, comenzaba la parte más frágil del proceso. El programa debía simular un arranque limpio de Windows, como si acabara de ejecutarse desde cero, lo que implicaba, en palabras de Chen, resetear las opciones de la línea de comandos y devolver algunas variables globales a sus valores originales. Aunque el trabajo era en gran medida clerical, resultaba especialmente complejo porque win.com estaba escrito en ensamblador. No había abstracciones ni comodidades modernas.

El punto decisivo estaba en la memoria. Cuando win.com se ejecutaba, como cualquier archivo .com, recibía toda la memoria convencional disponible. Sin embargo, liberaba casi toda la memoria más allá de su propio código para que Windows pudiera cargar un gran bloque contiguo al entrar en modo protegido. Si durante la sesión algún programa reservaba memoria dentro del espacio que win.com había dejado libre, la memoria quedaba fragmentada. En ese escenario, win.com ya no podía recrear el mapa original que esperaba, y, según explica Chen, se veía obligado a abandonar el reinicio rápido y caer en un reinicio completo.

Cuando todo encajaba, el proceso continuaba sin volver atrás. win.com saltaba directamente al código encargado de arrancar Windows en modo protegido, recreando el gestor de máquinas virtuales y levantando de nuevo las capas de 32 bits. Desde ahí, la interfaz gráfica se cargaba como de costumbre y el usuario volvía al escritorio. La diferencia era sutil pero real: Windows no había tenido que reiniciar el sistema completo para llegar hasta ese punto.

Este tipo de atajos solo era viable en un sistema construido a base de compatibilidades cruzadas. Windows 95 tenía que convivir con software de DOS, programas de Windows de 16 bits y aplicaciones Win32, y esa mezcla obligó a aceptar soluciones poco elegantes pero muy prácticas. Los desarrolladores llegaron a aprovechar esa complejidad para introducir optimizaciones ocultas que podían acelerar el reinicio, aunque a veces podían terminar en cuelgue. 

La obsesión por ahorrar memoria llevaba a soluciones muy imaginativas. Chen explica que en ensamblador era común reciclar código que ya no se iba a usar como si fuera memoria libre. En win.com, los primeros bytes del punto de entrada se reutilizaban como una variable global, bajo la premisa de que ese código solo se ejecutaba una vez. Dado que el reinicio rápido no regresaba a ese punto inicial, el sistema podía permitirse ese atajo sin que afectara al proceso.

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Ese atajo también mostraba sus costuras. Chen recuerda que algunos usuarios detectaron fallos tras realizar varios reinicios rápidos consecutivos, algo que él no consiguió reproducir de forma sistemática. Su hipótesis es que algún controlador no se reiniciaba correctamente, dejaba el sistema en un estado extraño, y esa rareza terminaba pasando factura más tarde. No extraña que este tipo de comportamiento no se presentara como una función documentada, pero resume bien el espíritu de Windows 95: ingenioso, ambicioso y lleno de compromisos.

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La estética de 2016 regresa con fuerza: filtros que imitan el Instagram de entonces (según Wikipedia, más de 200 millones de vídeos con filtros que imitan los visuales), trends que recuperan fotos de entonces, recreaciones del verano de 'Pokémon GO', homenajes y recuerdos a David Bowie. Los usuarios de la Generación Z, muchos de ellos adolescentes entonces, reconstruyen 2016 como una edad dorada (ha habido un 450% de aumento de búsquedas del término "2016" en TikTok). La contradicción salta a la vista: ese mismo año, numerosos medios lo declararon uno de los peores de la historia reciente.

Qué pasó. El 10 de enero murió David Bowie; le siguieron Prince, Leonard Cohen, George Michael, Carrie Fisher. El 23 de junio, el Reino Unido votó abandonar la Unión Europea. El 8 de noviembre, Donald Trump ganó las elecciones estadounidenses. Medios como Slate o Newsweek se preguntaban si era el peor año de la historia. Menos de una década después, ese mismo año se ha convertido en objeto de añoranza. 

Pistoletazo de salida. La muerte de Bowie el 10 de enero marcó el año desde su inicio. Dos días antes había publicado 'Blackstar', un álbum que hoy se interpreta como despedida pero que entonces pasó desapercibido en su dimensión testamentaria. La conmoción fue inmediata: un artista que había ocultado su cáncer durante 18 meses desaparecía sin aviso, y los memes ocuparon ese vacío casi de inmediato. Le siguieron los artistas arriba mencionados, y cada muerte reforzó la misma idea: 2016 estaba maldito.

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Desequilibrio. Trump y el Brexit rompieron las expectativas de progreso y apertura que dominaban el discurso político occidental. En 'El futuro de la nostalgia', ya en 2001, Svetlana Boym distinguía entre "nostalgia restauradora" (que busca reconstruir un hogar mítico) y "nostalgia reflexiva" (que disfruta del anhelo sin pretender recuperar nada). La nostalgia por 2016 es del primer tipo: inventa un año que nunca existió. Boym señalaba que la nostalgia restauradora "no se reconoce a sí misma como nostalgia, sino como verdad y tradición". Justo lo que sucede cuando en TikTok se recrea el verano de Pokémon GO como si hubiera sido edénico.

Esto ya se ha dicho. Hay teóricos que han reflexionado sobre el fenómeno de recordar 2016 apenas diez años después. David Foster Wallace documentó en los noventa lo que llamó "nostalgia por el presente": la urgencia por añorar algo que aún no ha terminado. 2016 cumple esa paradoja: se ha vuelto objeto de nostalgia antes de ser procesado históricamente, mientras sus consecuencias políticas siguen activas. La distancia temporal necesaria para la nostalgia, habitualmente dos o tres décadas, se ha comprimido hasta casi desaparecer.

Retromanía. Es inevitable aludir a 'Retromania', ensayo de 2011 en el que Simon Reynolds sostenía que desde los años 2000 la cultura pop había invertido su dirección: en lugar de generar futuro, se dedicaba a reactivar el pasado. Reynolds documentaba reuniones de bandas, reediciones deluxe, festivales revival, samples nostálgicos. Quince años después, su tesis se ha intensificado: ninguna sociedad había estado tan obsesionada con los artefactos culturales de su pasado más reciente. El regreso a 2016 confirma su diagnóstico: una década ya basta para activar la nostalgia.

Hauntología. Mark Fisher profundizó esta idea en 'Los fantasmas de mi vida', donde desarrolló el concepto de "hauntología" que Derrida había acuñado: estamos habitados por futuros que no se materializaron. Fisher, fallecido en 2017, argumentaba que la cultura contemporánea había perdido su capacidad para imaginar alternativas al presente. El pasado no se recupera; sus fantasmas rondan un presente incapaz de proyectarse hacia adelante. La nostalgia por 2016 materializa esta parálisis: se añora un año definido por su carácter catastrófico porque falta vocabulario para articular futuros deseables.

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Modo nostalgia. Finalmente, Fredric Jameson había anticipado este fenómeno en 'El postmodernismo: o la lógica cultural del capitalismo tardío' en 1991, al describir el "modo nostalgia": la cultura posmoderna reproduce estilos del pasado vaciándolos de referencia histórica y reduciéndolos a superficie estética. Instagram y TikTok aceleran este proceso. Lo que ayer fue presente hoy es contenido vintage disponible para el consumo. Se recuerdan las playlists de Spotify de 2016 y el verano de 'Pokémon GO', pero no lo malo. El algoritmo fabrica una versión edulcorada del pasado que elimina lo conflictivo.

Podría ser peor. 2026, sin ir más lejos. La nostalgia de 2016 revela una huida de unos horrores mucho más presentes: los de 2026. Aquel año ha quedado empequeñecido como "mal año" porque una década después Trump regresa a la presidencia de forma mucho más virulenta, con atentados al derecho internacional e invasión de países, la guerra en Ucrania no tiene visos de acabar, Gaza atraviesa un desastre humanitario que avergüenza al planeta, la polarización política y mediática se ha radicalizado, la vivienda se ha vuelto inaccesible... 

Carrie Fisher, fallecida en 2016

Si en 2016 hubo quien consideró exagerado hablar de deriva autoritaria, 2026 materializa esa exageración: las alarmas que parecían hipérboles resultaron proféticas. La nostalgia por 2016 no es inocente: es el reconocimiento implícito de que la situación ha empeorado, de que aquel año, con todos sus desastres, era preferible al presente.

Se viene. El ciclo se acelera. Si 2016 es ya objeto de nostalgia en 2026, ¿qué año será nostálgico en 2030? ¿2020, el año de la pandemia global? ¿2024? La cultura estña atrapada en un bucle en el que el presente se devora a sí mismo antes de haber sido digerido, donde la capacidad de imaginar alternativas se ha atrofiado hasta el punto de que solo podemos mirar hacia atrás. Incluso cuando lo que vemos atrás es el desastre.

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La taquilla española está en crisis. Sin embargo, abarrotamos los cines para ver reeestrenos de clásicos. Es una de las muchas contradicciones que pueblan la actualidad de las salas, una industria en la cuerda floja durante esta temporada. El reestreno de 'Regreso al futuro', si triunfa en taquilla (que lo hará) servirá para corroborar una serie de posibles soluciones a esta situación aparentemente sin salida. Y sin necesidad de Delorean.

Vuelve 'Regreso al Futuro'. La película dirigida y coescrita por Robert Zemeckis y producida por Steven Spielberg en 1985 vuelve a las salas de todo el mundo con motivo de su 40 aniversario. Los periplos de Marty McFly por los (aparentemente) felices años cincuenta para conseguir que sus padres se enamoren y así él pueda ser concebido conservan el mismo encanto del día de su estreno. Por eso, a partir del 31 de octubre, Universal reestrena el clásico en salas de toda España, lo que permitirá a más de una generación de espectadores descubrirla en pantalla grande.

Por qué nos sigue gustando. Ante todo, sigue siendo una aventura perfecta: su mezcla alquímica de comedia y ciencia ficción es absolutamente canónica y tiene un guión cuidado hasta el más mínimo detalle, lleno de matices que, incluso después de haber sido revisada decenas de veces, continúan brindando sorpresas al espectador. Y sobre todo, no es una película a la que la industria del cine ha desgastado: después de la trilogía original, que funciona de forma compacta como una sola narración, no ha habido secuelas (más o menos) ni remakes (ni los habrá mientras sus responsables originales puedan impedirlo). A diferencia de la mayoría de éxitos de los ochenta, 'Regreso al futuro' continúa intocable en una burbuja que, significativamente, impide que envejezca. 

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La situación. Este reestreno llega en una situación de crisis en la taquilla española. La dominación del streaming nos ha llevado a un panorama peculiar y paradójico: vemos más cine que nunca, vamos menos al cine que nunca. Según el Anuario estadístico de la SGAE, el 60,7% de la población española ve al menos una película a la semana, mientras que un significativo 15% la ve a diario. Sin embargo, y aquí viene la cara oscura del tema, en 2024 la asistencia cayó un 5% respecto a 2023, con 71 millones de espectadores y 477 millones de euros de ingresos, un 2,2% menos que el año anterior, estancándose en cifras prepandemia. 

Las plataformas han transformado los hábitos tradicionales, ofreciendo la posibilidad de ver películas y series en múltiples dispositivos (televisor, ordenador, móvil), en cualquier momento y lugar, aparte de resultar mucho más económico.

Necesitamos eventos. Se trata de señales que apuntan a una "crisis de espacios": la gente no quiere dejar de ver películas, sino convertir la visita al cine en algo especial. Es por eso eso que funcionan tan bien los reestrenos de clásicos y el regreso a la gran pantalla de todo tipo de éxitos del pasado. Por ejemplo, este pasado verano tuvimos el reestreno por su 50 aniversario de 'Tiburón', una película que funcionó estupendamente en la taquilla estadounidense y también en la española. 

La bella nostalgia. Obviamente, por mucho que haya conseguido escapar de modas y tendencias del mainstream de Hollywood y no ceder a secuelas ni remakes, el reestreno de 'Regreso al Futuro' es fruto de otra de las tendencias que marcan la agenda del cine internacional: la nostalgia. Es gracias a ella que estos reestrenos en cine están funcionando igual de bien o incluso mejor que los estrenos convencionales: en 2022 tuvimos el 50 aniversario de 'El Padrino', en 2018 una versión restaurada de '2001: Una odisea en el espacio', las entregas clásicas de 'Star Wars' vuelven una y otra vez a las salas, del mismo modo que lo hacen 'Harry Potter' o 'El Señor de los Anillos'...

Una buena prueba de que las salas necesitan encontrar nuevas fórmulas. Y quizás el recurrir a clásicos y reestrenos sea una que también necesita ser revisada antes de que, como el resto de la taquilla, acabe chamuscada.

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Hay productos que no solo resisten el paso del tiempo, sino que lo convierten en su mejor aliado. En un mercado saturado de novedades, lo retro ha encontrado su propio espacio: vende emociones, recuerdos y autenticidad. Casio lo sabe bien. Durante los últimos años ha rescatado iconos como el DW-5000, el primer G-Shock de la historia, y ha experimentado con ideas tan curiosas como el CRW-001, un reloj-anillo que reinterpreta el concepto de los Casiotron originales. Este 2025 ha decidido mirar todavía más atrás, hasta 1985, el año en que Marty McFly llevaba un reloj calculadora en su muñeca.

El resultado es el Casio CA-500WEBF-1A, una reedición oficial de su clásico reloj Vintage que celebra el 40º aniversario de Regreso al futuro. Más que un accesorio, es una cápsula de aquella década en la que lo digital aún tenía un encanto tangible.

Diseño, nostalgia y negocio: el viaje en el tiempo de Casio

Construido sobre la base de los relojes calculadora originales, esta propuesta adopta una estética que recuerda directamente al DeLorean. La caja plateada, con acabado pulido, evoca el acero inoxidable del coche de Doc Brown. En los botones, Casio introduce pequeños toques de color que simulan los indicadores luminosos del panel de control temporal, mientras que la parte posterior lleva grabado el condensador de flujo, el componente ficticio que hacía posible viajar en el tiempo.

En la hebilla metálica aparece el logotipo oficial de Back to the Future, y el conjunto mantiene las proporciones del modelo original de los ochenta. Los elementos se han adaptado para conservar el aspecto reconocible del reloj sin alterar su carácter funcional. El resultado es un producto que traduce el imaginario de la película en detalles visuales medidos y coherentes.

Además, mantiene la base funcional de los relojes calculadora de Casio, con calculadora de ocho dígitos, cronómetro de 1/100 de segundo con capacidad 23:59’59,99, alarma diaria, señal horaria y calendario automático programado hasta 2099. Permite alternar entre formato de 12 y 24 horas. No incorpora luz, una decisión coherente con la fidelidad al diseño original.

La carcasa es de resina con acabado plateado, mientras que la correa de acero inoxidable utiliza pulsera de eslabones con cierre ajustable. El reloj pesa alrededor de 53 gramos y es resistente al agua, tal y como figura en la ficha oficial. Funciona con una pila CR2016, cuya duración estimada es de cinco años. En conjunto, ofrece funciones básicas actuales con el formato clásico que lo hizo reconocible.

La presentación del CA-500WEBF-1A refuerza la idea de que este reloj no busca solo venderse, sino evocarse. Casio lo entrega en un estuche diseñado como una cinta de vídeo VHS, con una funda exterior ilustrada con el logotipo y la estética de la película original. El guiño no es casual: Regreso al futuro fue uno de los grandes éxitos del formato doméstico en los ochenta, y esa elección conecta el producto con su época de origen de una forma inmediata.

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El CA-500WEBF-1A está pensado para un público que busca algo más que funcionalidad. No compite con los relojes inteligentes ni con los modelos deportivos de gama alta, sino con el recuerdo. Más allá del efecto visual, el embalaje cumple una función clara dentro de la estrategia de la línea Vintage: convertir cada lanzamiento en un objeto de colección. 

Precio y disponibilidad del Casio CA-500WEBF-1A

El CA-500WEBF-1A ya aparece en la tienda en línea oficial de Casio España, dentro de la serie Vintage. La web indica que estará “disponible próximamente”, con un precio oficial de 119 euros. No obstante, la nota de prensa de la compañía para el mercado europeo señala que el lanzamiento está programado para el próximo 22 de octubre. 

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La industria de la copia en China es, como ya hemos constatado por aquí en otras ocasiones, una boyante economía paralela que no tiene reparos en replicar, siempre bajo coordenadas más económicas, los éxitos ajenos de diseño, tecnología o moda. Todo un fenómeno que tiene en la infatigable fabricante de consolas Anbernic uno de sus mayores puntales. Y con su última propuesta han vuelto a dejar noqueados a los aficionados a los videojuegos.

Copiar es bien. Antes de continuar, conviene recordar que en China ven las copias de una forma distinta a Europa u occidente: en solo 15 años, el término shanzai se ha convertido en común dentro de la economía del país asiático, aunque sigue sorprendiendo fuera de sus fronteras. Y no hablamos solo de tecnología: vino, cremas hidratantes, ropa de uso diario, libros de éxito, programas de televisión y películas... 

Hay distintas teorías para la aparición de esta cultura, como que China ha tenido muy poco tiempo, en comparación con otros países, para modernizarse; o el papel que China está asumiendo en la nueva configuración económica del mundo; o que parte de una actualización de las tesis confuncionistas, que viven una existencia modernizada. Dicho todo esto... 

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A imitación de la DS. La nueva consola Anbernic RG DS imita las legendarias Nintendo DS que pusieron patas arriba el juego portátil desde 2004. Como siempre, con un precio que no llegará a los cien euros, planta cara a otras marcas chinas que han lanzado modelos similares, como Ayaneo o Ayn. De hecho, visualmente la RG DS recuerda al modelo de Ayn de dos pantallas, pero en el caso de Anbernic, la imitación de la original de Nintendo es aún más acusada, ya que respeta las dos pantallas de un tamaño mucho menor al de la carcasa (por no hablar del nombre, exhibiendo un "DS" sin ningún complejo). 

Decisiones como esta no son solo estéticas: es lo que les permite mantener la consola a un precio muy inferior al de sus competidores, que llegan a alcanzar los 400 euros.

Las novedades. El aspecto más claro en el que Anbernic deja atrás a la portátil de Nintendo es con la inclusión de dos sticks en el dispositivo, algo de lo que carecía la consola original. Las pantallas, eso sí, quedan por detrás de la pantalla principal OLED Full HD de 165 Hz de la Ayaneo o de los paneles OLED de 120 Hz de la Ayn. Los procesadores, otro elemento que dispara los precios, trambién son más contyundentes en sus competidoras (Snapdragon G3x Gen 2 o Snapdragon 865, por ejemplo). Anbernic aún no ha anunciado la potencia de sus tripas, pero seguramente quede por debajo en términos de potencia.  

Imitar es una cosa. Las consolas Anbernic nunca han tenido problemas en reconocer que son productos pensados para cosquillear la nostalgia del juegador: en términos de diseño general son comparables a tantas y tantas consolas verticales y horizontales del mercado, pero es que hay modelos que, por diseño y colores, son idénticas a modelos previos. Por ejemplo, la Anbernic RG35XX Plus recuerda sin lugar a dudas a la Game Boy original, y hay un modelo en el mismo tono de gris.

La Anbernic RG35XXSP recuerda a la llorada y perfecta Game Boy Advance SP de Nintendo, con su formato de concha que se abre, y la Anbernic RG34XX, a la Game Boy Advance original, con un modelo que de hecho recuerda a los tonos violeta y blanco de la de Nintendo. Aunque la que nos parece una auténtica cucada es la RG300X, a imitación de aquella memorable maravilla que fue la Game Boy Micro, y de nuevo, con modelos que clonan los colores de los distintos modelos originales.

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Un mundo al margen. No hay ventas oficiales, pero determinados comportamientos del mercado nos permiten comprobar que las Anbernic (como, en general, todo el mercado de las consolas retro) se mueven de una forma que ya querrían para sí muchos modelos oficiales. Dejando a un lado su continua presencia en redes sociales y canales de creadores de contenido, tenemos otros datos. Por ejemplo en plataformas como Alibaba se puede ver que modelos como la RG40XX V han alcanzado 315 pedidos en ciclos de venta medianos, con altas tasas de reorden (más del 16%), lo que evidencia que los distribuidores reponen constantemente stock.   

En general, en tiendas online de fuera de China se menciona de forma reiterada que los distintos modelos “se agotan” al poco de aparecer en versiones internacionales, lo que indica un ritmo de ventas elevado y una base de fans y compradores muy activos en varios mercados globales (especialmente Europa, América Latina y parte de Asia). Todo un éxito "secreto" donde la imitación es solo un ingrediente más de su cóctel de propuestas.

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